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Versione completa: VIAGGIO NEL MONDO DEI CLASSICI
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nunval
Ciao a tutti! Apro questo mio thread (una specie di blog) per condividere con tutti voi i miei primi scritti e le mie ricerche sul doppiaggio Disney, iniziate nel lontano 1992. Realizzai una scheda per ogni classico fino ad Hercules e completai il lavoro nel 1997. Non l'ho mai pubblicato (se non un piccolo riassunto sul volume edito dall'AIDAC IL DOPPIAGGIO) e a parte le schede sul sito di Antonio Genna...ora che è passato tanto tempo lo voglio rendere pubblico attraverso un canale a cui sono particolarmente legato: il nostro forum.

Inizio con BIANCANEVE . Buona lettura a tutti!

BIANCANEVE E I SETTE NANI
PINOCCHIO
FANTASIA
DUMBO, L'ELEFANTE VOLANTE
BAMBI
SALUDOS AMIGOS
I TRE CABALLEROS
MUSICA, MAESTRO!
I RACCONTI DELLO ZIO TOM
BONGO E I TRE AVVENTURIERI
LO SCRIGNO DELLE SETTE PERLE
LE AVVENTURE DI ICHABOD E MR. TOAD
DUE CLASSICI ONORARI: I SEGRETI DI WALT DISNEY e TANTO CARO AL MIO CUORE
CENERENTOLA
ALICE NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE
LE AVVENTURE DI PETER PAN
LILLI E IL VAGABONDO
LA BELLA ADDORMENTATA NEL BOSCO
LA CARICA DEI CENTO E UNO
LA SPADA NELLA ROCCIA
MARY POPPINS
IL LIBRO DELLA GIUNGLA
GLI ARISTOGATTI
POMI D'OTTONE E MANICI DI SCOPA
ROBIN HOOD
LE AVVENTURE DI WINNIE THE POOH
LE AVVENTURE DI BIANCA E BERNIE
RED E TOBY NEMICIAMICI
nunval
1) BIANCANEVE E I SETTE NANI

IL FILM

La nascita del primo grande classico di Walt Disney si può far risalire ad una sera del 1934: Walt Disney riunì tutti i suoi collaboratori in sala di registrazione e li intrattenne dalle otto a mezzanotte raccontando tutta la famosa fiaba dei fratelli Grimm come la vedeva lui, recitandone tutte le parti. Concluse dichiarando che quello sarebbe stato il loro primo lungometraggio. Da quella sera ebbe inizio un periodo di fervente attività per lo studio, che si concluse con la “prima “ del film tenutasi il 21 Dicembre 1937 al Carthay Circle Theater di Los Angeles, alla presenza dei più famosi nomi della Hollywood del tempo. Si racconta che perfino Clark Gable e Carole Lombard avessero i lucciconi, quando il film arrivò al celebre finale: il consenso di pubblico e di critica fu unanime e Biancaneve incassò nei soli USA la favolosa cifra di 8 milioni di dollari. Il film, d’altra parte, era per l’epoca davvero rivoluzionario: quando i cartoons erano dei semplici cortometraggi di 7 minuti basati essenzialmente su gags, proponeva un soggetto ben preciso, con momenti comici ed altri intensamente drammatici, con una freschezza ed una sincerità raramente viste su uno schermo: Le novità tecniche usate, dallo sfavillante Technicolor alle riprese effettuate con la “ multiplane camera” che dava alle scene l’effetto della prospettiva e della profondità di campo dei film dal vero, grazie ai fondali disposti su piani diversi, furono come la ciliegina sulla torta di un opera pressoché perfetta, basata su una sceneggiatura e su personaggi caratterizzati fin nelle minime sfumature.
La credibilità dei personaggi è il grande punto di forza di Biancaneve e i sette nani: le emozioni e i sentimenti che essi provano sono quasi palpabili. Esemplare a tal proposito è l’inizio del film: Disney scelse di eliminare la parte iniziale della fiaba, che narrava la morte della madre di Biancaneve e ci immerge immediatamente nel tema principale della pellicola che è quello della gelosia tra la matrigna e Biancaneve. Il conflitto tra i due personaggi sarà instaurato in termini visivi nella scena in cui Biancaneve ascolta la canzone del principe e con una carrellata (rivoluzionaria all’epoca per il medium animazione) l’inquadratura si sposta sulla finestra dalla quale la Regina sta spiando la figliastra. La Regina e Biancaneve sono le due figure centrali del film, nonostante sia sempre stato detto che i veri protagonisti sono i sette nani; questi ultimi, sebbene siano stati dotati di una specifica identità e di un nome, sono e rimangono caratteristi che hanno la funzione di far risaltare ancor più il personaggio di Biancaneve, virtualmente in scena dall’inizio alla fine del film. Infatti i nani più importanti, che fungono da portavoce del gruppo, sono essenzialmente tre: Dotto, in quanto essendo il capo, ha l’ultima parola riguardo ad ospitare Biancaneve; Brontolo, il bastian contrario per eccellenza che è l’ultimo a lasciarsi conquistare dalla fanciulla e Cucciolo, la mascotte del gruppo e il preferito di Biancaneve, il cui mutismo ne fa una figura ancora più tenera ed istintiva, con più di un punto in comune con gli animaletti del bosco, primi amici e protettori della ragazza. Gli altri quattro sono dei semplici supporters che ripetono più o meno le stesse azioni: Gongolo ovviamente è sempre allegro, Pisolo non fa che cadere addormentato ed è sempre alle prese con una mosca dispettosa che, alla fine gli si addormenterà sul naso, Eolo si fa notare per i suoi poderosi starnuti mentre Mammolo arrossisce in continuazione per la gioia del Technicolor. Biancaneve è sicuramente ancora oggi l’eroina più popolare creata dagli studi Disney, dotata di un grande fascino, da attribuirsi non solo alle caratteristiche psicologiche ma anche al particolare modo di muoversi della figura. Fondamentale per la riuscita del personaggio è poi l’immediato rapporto che essa ha con la natura e gli animali: importantissima a tal riguardo è la scena in cui Biancaneve parla con l’uccellino caduto dal nido poco prima che il cacciatore si appresti ad ucciderla. La sua tenerezza è l’ultima goccia che fa desistere l’assassino dal suo proposito. Da antologia la celebre scena della fuga nella foresta, dove la povera ragazza vede materializzarsi tutti i suoi peggiori incubi: in effetti fino a quel momento Biancaneve non era mai stata cosciente di vivere a stretto contatto con una persona capace di ucciderla e la scena rappresenta in modo formidabile le sensazioni di una persona che vede crollare tutto il suo mondo di certezze per immergersi nella minaccia dell’oscurità. La Regina, sia prima che dopo la sua trasformazione in strega, è protagonista di scene di un impatto mai verificatosi prima nell’animazione e raramente in un film dal vero. Ci sono momenti in cui il personaggio sembra davvero di carne ed ossa e la sua rabbia repressa buca lo schermo, pensiamo per esempio all’espressione del suo volto quando scopre l’inganno del cacciatore. La sua presenza diventa poi quasi intollerabile dopo la sua trasformazione: la sequenza in cui Biancaneve morde la mela è magistrale per il senso di reale pericolo che trasmette. Gli animaletti sono splendidi e fungono da cornice a tutta la vicenda in modo eccellente: sono indimenticabili la sequenza in cui aiutano Biancaneve nelle faccende di casa e la scena finale in cui avvisano i nani dell’arrivo della strega. Il cacciatore assolve ottimamente il suo ruolo di schiavo della regina, quasi sempre riluttante ad eseguirne i voleri. Lo specchio magico è una delle figure più affascinanti del film ( impressionante la mutevolezza delle sue espressioni, considerando che ha il volto praticamente fatto di fumo). Il principe in tutti questi anni è stato il personaggio più bistrattato e accusato di essere stereotipato e vuoto. In realtà il suo ruolo doveva essere più lungo, come dimostra anche la splendida versione a fumetti del film realizzata nello stesso 1937 da Hank Porter e Bob Grant. In essa il principe coglie di sorpresa Biancaneve nascondendosi dietro un principe fantoccio che la ragazza si è costruita con un secchio, una scopa e uno strofinaccio e viene poi imprigionato nelle segrete del castello dalle guardie della Regina. La relativa insicurezza con cui gli animatori maneggiavano la figura umana convinse Disney a ridurre le sue apparizioni al minimo indispensabile e le scene descritte vennero poi effettivamente usate vent’anni dopo in La Bella Addormentata nel Bosco.
LE CANZONI DI BIANCANEVE
La musica e le canzoni del film divennero subito popolarissime : si può dire che Biancaneve è uno dei primi grandi musical della storia del cinema; le canzoni non sono mai fini a se stesse o puramente decorative ma servono allo sviluppo della storia o a definire meglio i personaggi. Sotto la supervisione dello stesso Disney , Frank Churchill, Leigh Harline e Paul Smith svolsero un lavoro superbo che avrebbe influenzato non poco la storia del cinema musicale. Particolarmente efficaci sono i temi musicali delle scene in cui compare la Regina. Le canzoni comprese nella colonna sonora sono otto, tutte composte da Frank Churchill su testi di Larry Morey: I'm wishing (Vorrei – la canzone dell’eco, reintitolata , negli anni ’60, “Io spero”), cantata da Biancaneve vicino al pozzo dei desideri, introduce il personaggio e funge da preludio all’arrivo del principe che dichiara il suo amore con One song (Non ho che un canto); With a smile and a song (Con un canto nel cuor) viene cantata da Biancaneve nel bosco; la celeberrimaWhistle while you work (Impara a fischiettar) accompagna la scena in cui Biancaneve e gli animaletti fanno le pulizie; la marcia dei nani è la famosa Heigh Ho! (Ehi ho). Dotto spiega ai nani come ci si lava al ritmo di Bluddle uddle um dum; The dwarfs’yodel song ( the silly song) (La tirolese dei nani) è il tema conduttore della famosissima sequenza in cui Biancaneve balla con i nani; Some day my prince will come (il mio amore un dì verrà) è la delicata romanza con cui Biancaneve racconta ai nani il suo incontro col principe. Quest’ ultima canzone è , insieme a One song il motivo musicale ricorrente del film, eseguiti più volte sia in forma orchestrale che cantata. Altre due canzoni furono composte ma non inserite nel montaggio definitivo: You’re never too old to be young, poi sostituita dalla Tirolese dei nani e Music in your soup, che veniva cantata in una scena in cui in nani cenavano con Biancaneve dopo essersi lavati, sequenza che Disney abolì in fase di lavorazione insieme a quella in cui costruivano un letto per Biancaneve: pur ottimamente concepite, le scene non aggiungevano nulla alla storia e ne rallentavano lo svolgimento. I due brani furono comunque incisi su disco negli anni ’60, in una sorta di seguito narrato del film intitolato The seven dwarfs and their diamone mine . Nella sua versione più breve il disco fu tradotto anche in italiano , nel 1968, nella famosa collana Disneyland “Guarda Ascolta Leggi” e le due canzoni tradotte , con i testi del paroliere Spiker, in Mai troppi saran gli anni tuoi e Questa zuppa che bontà. Il successo del film ancora oggi non accenna a diminuire; presentato alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1938, vinse il Grande Trofeo d’Arte della Biennale, premio appositamente istituito: l’anno successivo fu la volta di un Oscar speciale composto da un premio di dimensioni regolari e sette “mini Oscar”. Dopo la prima edizione del 1938, la RKO ne fece una prima riedizione italiana per il Natale del 1949 e, nella prima vera del 1953, ne fece approntare una versione su pellicola in 16mm, stampata nei laboratori Technicolor di Londra, per le sale parrocchiali, che rimase in circolazione per oltre venti anni, anche dopo la chiusura delle agenzie della RKO nel 1958. Passata, in Italia e in molti paesi europei la distribuzione alla Rank Film, Biancaneve allietò le vacanze natalizie degli italiani nel 1962 e, dopo essere rimasta in circolazione per alcuni anni, tornò in archivio fino al Natale 1972, quando la Disney, allora distribuita in Italia dalla Cinema International Corporation, programmò in tutti i cinema la “versione moderna” del film, ridoppiato a cura di Roberto de Leonardis. Una nuova edizione venne riprogrammata per il Natale 1980, sempre dalla CIC mentre nel 1987, dopo una intensa carriera, il film venne completamente restaurato, ristampato su fotogramma panoramico e dotato di Dolby Stereo in tutto il mondo. La riedizione speciale del cinquantenario venne programmata con immenso successo anche da noi, distribuita ancora dalla CIC (ora diventata United International Pictures). Una ulteriore riedizione in tutta Europa, a cura della Warner Bros, raggiunse i cinema italiani per la Pasqua del 1992 e, nel 1994, l’opera di restauro sul film è proseguita grazie alle ricerche della Kodak, che ha utilizzato il suo sistema di restauro digitale chiamato Cineon: grazie al computer, tutti i fotogrammi del film, riportati al formato originale 1, 37: 1 sono stati completamente rigenerati e , grazie all’utilizzo di una nuova pellicola a grana finissima si è migliorato il contrasto dello stesso negativo originale, da cui sono spariti difetti esistenti fin dal 1937, come baluginii, tremolii, piccole particelle di colore dovute allo sviluppo e perfino granelli di polvere depositatisi sui disegni al momento dell’esposizione fotografica. Presentata sugli schermi nella primavera del 1994, quest’ultima riedizione è stata poi la base della prima VHS ufficiale del film, distribuita in Italia in anteprima mondiale nel maggio del 1994. Lo spettacolare restauro digitale è stato poi stampato anche in formato super 8mm in edizione limitata dalla Derann Films in Inghilterra ed ha fornito la base per la strepitosa edizione platinum in dvd distribuita nell’autunno del 2001. Per la successiva diamond edition del 2009 in alta definizione in blu ray il negativo Technicolor è stato nuovamente restaurato e scansionato con un risultato superbo.

LA VERSIONE ITALIANA

Biancaneve è uscito per la prima volta in Italia nel dicembre 1938, reduce dal trionfo alla mostra di Venezia dello stesso anno. Il film ha avuto due versioni italiane, infatti è stato ridoppiato in occasione della riedizione del 1972. Nel 1938 venne pubblicizzato orgogliosamente dalla RKO-Generalcine come “la meraviglia delle meraviglie” :Roy Disney venne appositamente in Italia per dirigere le audizioni per le voci italiane dei personaggi, accompagnato da Stuart Buchanan, voce originale del cacciatore. A Cinecittà lavoravano già molti dei doppiatori che nel dopoguerra avrebbero dato vita alla mitica cooperativa di doppiaggio CDC, a cui sarebbe stata affidata la maggioranza dei film americani. Coordinatore dell’edizione fu Cesare Cavagna, mentre la versione italiana, che si prese purtroppo parecchie libertà con l’originale, venne curata da Vittorio Malpassuti (già direttore di doppiaggio per la Fox, scrittore, poeta e giornalista) e da Simeoni, mentre Luigi Savini e A.C. Lolli si occuparono della direzione del doppiaggio. Rosetta Calavetta venne scelta per il personaggio di Biancaneve. Giovanissima, era già molto brava e doppiava all’epoca Deanna Durbin. Per il doppiaggio delle canzoni di Biancaneve venne ingaggiato il famoso soprano Lina Pagliughi, che svolse un lavoro eccellente, eguagliando se non superando la voce originale di Adriana Caselotti. Tina Lattanzi doppiò la Regina con un tono di voce perennemente minaccioso, Dina Romano ne prese il posto dopo la trasformazione in strega con effetti genuinamente terrificanti; Aldo Silvani regalò i suoi accenti solenni allo Specchio Magico e Mario Besesti fece il cacciatore, sottolineando ogni sfumatura drammatica del personaggio. Le voci dei nani sono di Olindo Cristina (Dotto), Cesare Polacco ( Gongolo ) , Lauro Gazzolo (Mammolo),Amilcare Pettinelli (un grandissimo Brontolo, scontroso e irascibile al punto giusto), mentre le piccole parti di Pisolo ed Eolo vennero affidate a Giuseppe Mazzanti e Gero Zambuto. Le poche battute del principe sono affidate a Giulio Panicali, che diventerà una delle voci di punta della CDC e dirigerà il doppiaggio di molti film Disney. E’ comunque necessario sfatare il mito di cui è stato ammantato questo doppiaggio del film, soprattutto in tempi recenti, confrontandolo sfavorevolmente con la versione del 1972. E’ vero che Roy Disney scelse personalmente le voci italiane ma né lui né il suo assistente conoscevano una parola di italiano, come risulta da un articolo pubblicato nel 1938 sulla rivista Cinema. Al giornalista che faceva loro rilevare il fatto essi risposero che il loro compito era esclusivamente quello di trovare degli attori che sapessero riprodurre fedelmente le caratteristiche vocali originali dei personaggi. Il fatto che Buchanan non potesse controllare l’esattezza della traduzione non lo preoccupava: riteneva infatti che fosse compito dei tecnici direttori del doppiaggio tradurre al meglio il copione. Si trattò di un grave errore di valutazione perché la traduzione si prese parecchie libertà con il copione originale, soprattutto per quanto riguardava i dialoghi della strega e di Biancaneve. Per esempio, nella scena in cui lo specchio rivela dove si trova Biancaneve le colline e le cascate a cui si fa riferimento nell’originale diventano “monti strani” e un ipotetico bosco “ di così cosè”!. Quando Biancaneve morde la mela le fanno dire con tono drammatico “Ho freddo al cuore” mentre in originale dice “I feel strange” cioè “mi sento strana”; l’elenco delle libertà di traduzione potrebbe continuare. Le canzoni del principe e i cori dei nani furono resi in stile opera lirica (il famoso cantante che doppia il Principe, Giovanni Manurita, è particolarmente odioso) col risultato di renderne praticamente incomprensibili i testi; Tina Lattanzi venne costretta dal direttore di doppiaggio a fare della Regina una caricatura di Greta Garbo, adottando un tono di recitazione monocorde che calca sulle frasi come se non risultassero abbastanza minacciose ( niente a che vedere con il raffinato lavoro svolto dalla stessa attrice 20 anni dopo per Malefica nella Bella Addormentata).
Nel 1972, come abbiamo detto il film è stato completamente ritradotto a cura di Roberto de Leonardis, con la direzione musicale di Pietro Carapellucci e la direzione del doppiaggio affidata a Fede Arnaud. I doppiatori appartengono alla cooperativa CVD, nata nel 1970 da una scissione della CDC. Il lavoro è accuratissimo, si tratta di un vero e proprio recupero filologico del copione originale. Le canzoni sono tradotte fedelmente dallo stesso de Leonardis con lo pseudonimo di Pertitas.
Melina Martello è una Biancaneve straordinaria, con toni dolcissimi e mai leziosi: esemplare in tal senso è il famoso dialogo con l’uccellino smarrito, superiore nella resa a qualsiasi altra versione, compresa l’originale.
Benita Martini caratterizza la Regina con una voce fredda, di ghiaccio, sotto i cui accenti è palpabile la furia repressa.
La strega è caratterizzata con toni più petulanti e caricaturali ma non per questo meno efficaci, dalla grande Wanda Tettoni.
Pur non rinunciando ad alcune celebri battute del primo doppiaggio, come il tormentone della Regina (specchio servo delle mie brame, chi è la più bella del reame?) e mantenendo giustamente i nomi dei nani così come tradotti in precedenza, ora finalmente Biancaneve può dire mordendo la mela “mi sento così strana”, il luogo dove si è rifugiata si trova “oltre le sette colline fatate, oltre le sette cascate”, i cori dei nani, affidati al complesso vocale del maestro Carapellucci sono perfetti e comprensibili e il principe può dichiarare il suo amore con la bella voce di Bruno Filippini. Le battute di dialogo sono invece affidate a Romano Malaspina.
Mario Feliciani è uno Specchio Magico affascinante, mentre Vittorio di Prima è un sensibile cacciatore. Per quanto riguarda i nani, con aderenza ancora più perfetta dei vecchi doppiatori alle voci originali, parlano grazie a Roberto Bertea (Dotto), Manlio Busoni (Brontolo), Carlo Baccarini (Gongolo), Giancarlo Maestri (Pisolo), Vittorio di Prima (Eolo) e Silvio Spaccesi (Mammolo). In questa versione udiamo per la prima volta all’inizio del film la voce di un narratore (Luciano Melani) che modifica leggermente il testo italiano scritto sul libro: ciò avviene per tradurre in maniera più fedele la narrazione senza modificare il negativo originale italiano. Lo stesso avviene quando viene inquadrato il libro della strega . Le didascalie che nel finale preannunciano l’arrivo del principe e i cui fondini illustrano il passare delle stagioni passano nel 1972 da una versione animata uguale all’originale ad una a fondino fisso su cui è scritta la nuova traduzione. Dalla riedizione del 1992 si è ritornati ai vecchi fondini e relativa traduzione.
Per le canzoni di Biancaneve la voce appartiene a Gianna Spagnulo, dotata di un timbro vocale particolarmente dolce e vellutato , capace di affrontare anche brani difficili come Some day my prince will come con grande scioltezza . Le canzoni del film hanno avuto più di una versione italiana: nel 1938 le edizioni Suvini Zerboni pubblicarono i testi italiani di Rastelli e Panzeri, in parte utilizzati anche nel doppiaggio del film. Nel dopoguerra Devilli scrisse nuovi versi italiani per il brano I’m wishing e nuove strofe per La tirolese dei nani e Non ho che un canto il cui testo italiano era stato scritto da Bertini. L’album delle canzoni con i testi di Rastelli-Panzeri-Devilli-Bertini venne pubblicato in esclusiva dalle Edizioni Curci, a partire dal 1961, mentre la nuova versione italiana di Pertitas (Roberto de Leonardis) è stata pubblicata dalla Ricordi negli anni ‘90.











Mad Hatter
Io, Nun, non riesco a vedere nulla... Né link né altri testi... unsure.gif

EDIT: Ora vedo tutto perfettamente wink.gif
chipko
Io non so se ci siano link o altro ma vedo tutto quello che ha scritto Nun e le immagini che ha postato.

Se posso darti un suggerimento io ti consiglio di tenere questo come 3D principale dove al primo post metti il link della scheda che hai inserito, così ti rimane tutto più ordinato e anche le discussioni degli utenti (che magari ti faranno delle domande) rimarranno in ordine.
Beast
Nunziante worshippy.gif
Un grazie immenso per la condivisione di questo materiale prezioso che, sono sicuro, sarà un piacere leggere.
IryRapunzel
Che bello, Nun! Grazie! Appena ho un attimo leggo tutto per bene! Dovresti scriverci un libro. smile.gif
Capitano Amelia
Complimentoni per questa pubblicazione, Nunval! clapclap.gif Molto interessante, non vedo l'ora di leggere le altre parti ! thumb_yello.gif
Pan
Davvero interessante! I miei complimenti, Nù! thumb_yello.gif Sarà un piacere leggere i prossimi articoli che pubblicherai! smile.gif
veu
Che idea splendida Nunval... grande! ci sono molte notizie davvero dettagliate... Complimenti.
32Luglio
Idea meravigliosa, complimenti!
Logan232
Grande iniziativa Nun, complimenti!
nunval
2) PINOCCHIO

IL FILM

La versione Disney del famoso romanzo di Collodi, pur essendo uno dei migliori risultati raggiunti dallo studio è sempre stata trattata con freddezza dai nostri critici e, pur ottenendo successo presso il pubblico, non ha mai soppiantato il racconto originale, come è invece successo per molti altri classici dello studio. Disney infatti si è preso molte libertà con l’originale e, per poter apprezzare appieno il risultato, è necessario staccarsi dalle ambientazioni e dalle atmosfere collodiane. Il Pinocchio di Collodi è un piccolo birbante dell’età approssimativa di dieci anni, ribelle, dispettoso, collerico e ben poco simpatico. La vita misera che i personaggi di Collodi conducono e le ambientazioni tetre del libro dovettero sembrare a Disney ben poco attraenti per un disegno animato, così egli decise per una totale rilettura e riambientazione della storia, trasferita in un villaggio alpino molto tirolese e incentrata su quattro episodi principali: la nascita del burattino, il teatrino di Mangiafuoco ( ritratto come totalmente cattivo, una vera furia umana che non esita a fare dei suoi burattini legna da ardere quando non servono più), il Paese dei Balocchi (dove la figura del Postiglione è altrettanto terrificante di quella di Mangiafuoco e la trasformazione di Lucignolo in asinello, vista attraverso le ombre sulla parete è scioccante) , ed infine il ritrovamento di Geppetto nel ventre di una gigantesca balena anziché nel pescecane immaginato da Collodi, in una sequenza dal ritmo davvero incalzante. La scena in cui Geppetto, trasformato da misero falegname in un costruttore di raffinati giocattoli ed orologi a cucù, costruisce Pinocchio è veramente deliziosa, ravvivata dai due deliziosi animaletti che vivono con lui: Figaro il gattino capriccioso come un bambino e Cleo la deliziosa pesciolina dalle movenze di odalisca.
Dopo molti ripensamenti ed un primo abbozzo della figura di Pinocchio come caricatura, si optò per una versione che desse una immagine del burattino più vicina a quella di un bambino dell’età di circa sette anni, totalmente ingenuo e con un dialogo a base di “perché?”; inoltre il burattino era privo di volontà propria, come si nota nelle scene in cui il Gatto e la Volpe, una deliziosa coppia comica degna dei fratelli Marx, per fargli cambiar idea gli rigirano semplicemente il corpo nella direzione opposta. Per contrasto, il Grillo Parlante venne trasformato da noioso ammonitore ucciso a colpi di martello in un compagno di viaggio forse un po’ pedante ma simpaticissimo. Il Grillo funge da narratore a tutta la vicenda e canta anche le più belle canzoni del film: When you wish upon a star e Give a little whistle, composte da Ned Washington su musica di Leigh Harline. Molto bella anche la figura della Fata Azzurra, che mantiene la funzione di deus ex machina che aveva nel libro e, pur comparendo solo in due sequenze, è dotata di una presenza scenica formidabile e di animazioni perfette: sembra quasi di vedere una attrice a cui qualche effetto speciale ha donato l’aspetto particolare del film. Dal punto di vista tecnico il film è ancora più sbalorditivo di Biancaneve. La Multiplane Camera sfrutta la profondità di campo in modo superbo, la carrellata che parte dalla Stella dei desideri in cielo per arrivare alla bottega di Geppetto è meravigliosa. Il Technicolor rende magnificamente i colori delle scenografie dipinti ad olio. Le magnifiche musiche e canzoni completano e arricchiscono l’opera: Leigh Harline, Ned Washington e Paul Smith hanno creato una partitura che sottolinea abilmente situazioni e stati d’animo dei personaggi, riprendendo spesso i temi delle canzoni, in tutto cinque: oltre alle già citate When you wish upon a star (Una stella cade), premiata con l’Oscar e Give a little whistle (Fai una fischiatina), abbiamo Little wooden head (Burattino), cantata da Geppetto mentre fa ballare Pinocchio coi fili, Hi-Diddle-Dee-Dee cantata dalla volpe mentre conduce Pinocchio da Mangiafuoco e infine I’ve got no strings (Mai mi legherai), particolarissimo inno di Pinocchio alla libertà, cantata durante lo spettacolo dei burattini. Le canzoni sono tutte composte da Harline e Washington che scrissero anche altri motivi poi non utilizzati o utilizzati solo in forma orchestrale, come Turn on the old music box, danzato da Pinocchio e Geppetto nella bottega. Gli spartiti pubblicati da Irving Berlin negli Usa presentano anche i brani non inseriti nel film: Honest John, Jiminy Cricket , Three cheers for anything; Monstro the whale e la già citata Turn on the old music box. è curioso notare che le canzoni del film furono pubblicate in Italia fin dal 1940, dalle edizioni Suvini Zerboni, con i testi italiani di Lario e titoli diversi. Il film doveva infatti uscire nel 1940 e la RKO aveva anche pronto tutto il materiale italiano. La casa editrice Marzocco tradusse anche il libro ricavato dal film ma, purtroppo, l’entrata in guerra degli Stati Uniti bloccò tutto e si dovette aspettare il Natale del 1947. I titoli con i quali le canzoni sono famose oggi risalgono alla pubblicazione, nel 1963, da parte delle Edizioni Curci, con i testi di Spiker. Nessuna delle due versioni italiane è utilizzata nel film. La Curci pubblicò anche, come vediamo, tutte le canzoni non utilizzate nel film

Ecco qui sotto, per completezza, uno specchietto con i titoli delle canzoni pubblicate su spartito

TITOLO ORIGINALE /TITOLO ITALIANO 1940 (Edizioni Suvini Zerboni ) /TITOLO ITALIANO 1963 (Edizioni Curci)
When you wish upon a star /Se una stella in ciel cadrà / Una stella cade
Little wooden head /Caro burattin / Burattino
Give a little whistle /Fai una fischiatina /Fai una fischiatina
Turn on the old music box /Vecchio carillon /Mi piace la pianola
Hi diddle dee dee /Mi sento un grande attore /Hi diddle dì dì
I’ve got no strings /Felice io son /Mai mi legherai
Three cheers for anything /Urrà per ogni cosa /Il paese dei balocchi
Honest John / Honest John
Jiminy Cricket /Il Grillo Parlante
Monstro the Whale / La balena

LA VERSIONE ITALIANA

Il film è uscito in Italia per il Natale 1947, in pieno dopoguerra, distribuito dalla RKO. Il doppiaggio venne curato dalla CDC, con la traduzione di Alberto Liberati . Tutte le canzoni, ottimamente tradotte, sono interpretate dagli stessi doppiatori, ad eccezione di When you wish upon a star . La bella canzone, che accompagna i titoli di testa venne interpretata da Riccardo Billi. Tra le voci si riconoscono subito Carlo Romano, irresistibile Grillo e Lydia Simoneschi, straordinaria Fata Azzurra, molto simile nei toni alla principessa del Ladro di Bagdad di Alexander Korda, da lei doppiata l’anno prima. Un merito particolare a Mario Besesti, che ha saputo ricreare un Mangiafuoco ancora più furioso della versione originale, mentre Mario Gallina utilizza al meglio i suoi toni pomposi ed aristocratici per la Volpe. Sembra poi che la voce di Pinocchio appartenga a Corrado Pani. La voce di Geppetto appartiene al famoso caratterista Mario Corte,mentre le ballerine-marionette di Mangiafuoco parlano con la spiritosa voce di Rosetta Calavetta, che, per l'occasione, sfoggia buffi accenti stranieri. A differenza di quanto era accaduto nove anni prima per Biancaneve, il doppiaggio di Pinocchio risulta uno dei più moderni mai realizzati, sia nei dialoghi che nella traduzione delle canzoni e nella recitazione degli attori. Nel 1963 verrà ridoppiata solo la canzone Una stella cade, probabilmente per tradurne anche l’intermezzo corale, lasciato precedentemente in originale (la bella interpretazione vocale si deve a Bruno Filippini). La versione restaurata del film, uscita in Italia direttamente in video nel 1993 ha recuperato anche il vecchio doppiaggio della canzone. L’edizione in blu ray , uscita nel 2009, ha riportato il film allo splendore originario del Technicolor, scansionando in HD l’originale negativo al nitrato.



Capitano Amelia
Ottimo lavoro per uno dei miei Classici preferiti! clapclap.gif
kekkomon
Grande Nu! clapclap.gif
chipko
CITAZIONE (nunval @ 1/10/2015, 12:16) *
La versione Disney del famoso romanzo di Collodi,[...], pur ottenendo successo presso il pubblico, non ha mai soppiantato il racconto originale, come è invece successo per molti altri classici dello studio.

Per fortuna

CITAZIONE (nunval @ 1/10/2015, 12:16) *
Per contrasto, il Grillo Parlante venne trasformato da noioso ammonitore ucciso a colpi di martello in un compagno di viaggio forse un po’ pedante ma simpaticissimo.

Bè nel libro non è affatto un personaggio noioso, tutt'altro, altrimenti non si spiegherebbe perché Pinocchio senta il bisogno di ucciderlo, il grillo nel libro rappresenta non solo la cosiddetta coscienza ma anche quel piano che noi definiamo "realtà" che i bambini (ma ormai anche tanti uomini) tendono a rifiutare rifugiandosi nel sogno e nell'illusione. Ciò che fa scattare la furia omicida di Pinocchio è infatti questo passaggio:

CITAZIONE
— Perché ti faccio compassione?
— Perché sei un burattino e, quel che è peggio, perché hai la testa di legno. —

Che a ben vedere non è molto diverso dal monito "polvere sei e polvere ritornerai".
È la verità ad essere foriera di furia, non la noia, e quando Collodi parla di noja

CITAZIONE
La storia di Pinocchio col Grillo-parlante, dove si vede come i ragazzi cattivi hanno a noja di sentirsi correggere da chi ne sa piú di loro.

va inteso nell'accezione antica del termine, ovvero "avere in odio".
Infatti poi il Grillo tornerà (sotto varie forme) perché la realtà non può essere eliminata, e verrà sempre più accettata da Pinocchio in quel suo processo che è la crescita che lo porterà ad essere un bambino vero.

Mi sono permesso questa piccolissima segnalazione perché in quel passaggio, sicuramente senza volerlo, sembrava quasi che la versione disneyana del grillo migliorasse quella collodiana, ma sono sicuro che non intendessi dire quello.
Per il resto clapclap.gif
LucaDopp
CITAZIONE (nunval @ 1/10/2015, 12:16) *
A differenza di quanto era accaduto nove anni prima per Biancaneve, il doppiaggio di Pinocchio risulta uno dei più moderni mai realizzati, sia nei dialoghi che nella traduzione delle canzoni e nella recitazione degli attori.

Verissimo, è incredibile come questo doppiaggio appaia molto più moderno di alcuni realizzati da De Leonardis negli anni '50 (soprattutto Peter Pan). Un piccolo miracolo che non può che giovare a questo straordinario capolavoro.
March Hare = Leprotto Bisestile
CITAZIONE (nunval @ 1/10/2015, 12:16) *
2) PINOCCHIO
[...]
Tutte le canzoni, ottimamente tradotte, sono interpretate dagli stessi doppiatori, ad eccezione di When you wish upon a star .

Per me la canzone di Geppetto non è doppiata dal mitico Mario Corte, si sente una voce assai più decisa e meno tremolante.
Bel lavoro, complimenti!
Capitano Amelia
CITAZIONE (LucaDopp @ 1/10/2015, 15:02) *
Verissimo, è incredibile come questo doppiaggio appaia molto più moderno di alcuni realizzati da De Leonardis negli anni '50 (soprattutto Peter Pan). Un piccolo miracolo che non può che giovare a questo straordinario capolavoro.

Già, e tutt'ora non sente il peso dei suoi 70 anni (approssimativamente), a parer mio, uno dei pochi doppiaggi che è riuscito a conservarsi fresco. Personalmente parlando, io non ho soppiantato la versione disneyana a svantaggio di quella collodiana, bensì le gradisco tutt'e due. smile.gif
nunval
3) FANTASIA

IL FILM

Nel 1940 Walt Disney presentò il suo film più rivoluzionario, in anticipo di almeno 30 anni sui tempi: FANTASIA. Nato da un incontro casuale tra Disney e il famoso direttore d’orchestra Leopold Stokowski, il lungometraggio presenta l’illustrazione di otto celebri brani di musica classica diretti da Stokowski con la famosa orchestra di Filadelfia e introdotti da una presentazione del critico musicale Deems Taylor. Come questi spiega, ci sono tre generi di musica nel film: quella che racconta una storia precisa, quella che dipinge un quadro e infine la musica che esiste come fine a se stessa. Il primo brano è di questo tipo ed è una visualizzazione in termini astratti della Toccata e fuga in re minore di Bach. I componenti dell’orchestra vengono ripresi in silouette, mentre i colori riempiono lo schermo. Nel secondo brano, la Suite dallo Schiaccianoci di Ciaikowsky, i fiori, le piante, i pesci e le fate si uniscono in un inno alla natura che descrive il passare delle stagioni, con una particolare menzione per i funghi che, come piccoli cinesi eseguono la Danza Cinese e per i folletti del gelo che pattinano sul ghiaccio nel Valzer dei fiori.
Nell’episodio più celebre del film, Topolino, nel ruolo dell’apprendista stregone, si trova a mal partito con centinaia di scope magiche che si moltiplicano davanti ai suoi occhi in un tripudio di effetti speciali e, alla fine del brano, sale baldanzoso sul podio per stringere la mano a Stokowski.
La Sagra della primavera di Igor Stravinski fa da commento ad una affascinante visione del primo miliardo di vita sul nostro pianeta, fino alla terribile estinzione dei dinosauri.
In un delizioso Intermezzo, viene presentata la Colonna Sonora come personaggio : postasi timidamente al centro del fotogramma, la colonna mostra le immagini prodotte dai vari strumenti musicali. La Pastorale di Beethoven è l’occasione per mostrare la vita sul monte Olimpo : assistiamo al volo di Pegaso e alle schermaglie amorose di centauri e centaurette, mentre Bacco viene preso alla sprovvista col suo mulo unicorno perennemente ubriaco in una tempesta provocata da Zeus.
La Danza delle ore di Ponchielli è il pretesto per una spassosa parodia del balletto classico eseguita da struzzi, elefanti, ippopotami e coccodrilli, con crollo finale.
Nella parte finale l’unione di Una notte sul monte calvo di Mussorgsky all’Ave Maria di Schubert crea una perfetta contrapposizione tra sacro e profano: gli spiriti tormentati si levano dalle tombe per raggiungere il mostruoso Chernabog, il demonio irto sulla rupe. Dopo un furioso sabba le tenebre verranno sconfitte dalla luce e una processione saluta il sorger del sole.

Fantasia è un’opera unica nella storia del cinema e della musica, tanto che si può tranquillamente definire una esperienza da provare almeno una volta. I cardi e le orchidee che eseguono la Danza Russa dello schiaccianoci, il terribile Tirannosauro della Sagra della Primavera e la tempesta della Pastorale non si dimenticano facilmente; quando poi sullo schermo compare il demonio della Notte sul monte calvo, si rimane letteralmente senza fiato. Il film è stato rivoluzionario anche dal punto di vista del sonoro, presentando la registrazione della musica con un nuovo sistema appositamente studiato, il Fantasound, che sfruttava una registrazione ottica multipista e un gruppo di altoparlanti che circondava gli spettatori, anticipando di circa 40 anni il Dolby Stereo.
Presentato per la prima volta nel novembre 1940, inizialmente non ebbe successo commerciale ma le successive riedizioni ne hanno costantemente aumentato la popolarità. Nel 1956 la RKO distribuì una riedizione in Superscope su schermo panoramico e suono stereo a 4 piste magnetiche; nel 1977 una successiva edizione con stereofonia a tra canali; nel 1982 il celebre direttore d’orchestra Irwin Kostal, autore per Disney degli arrangiamenti di Mary Poppins, Pomi d’ottone e manici di scopa e
Elliott il drago invisibile, reincise tutta la partitura per permetterne la registrazione con sonoro digitale e Dolby stereo. Nel 1990, il cinquantenario del film è stato l’occasione per un colossale lavoro di restauro eseguito negli YCM laboratories di Burbank, che ha permesso per la prima volta di riutilizzare parti del negativo originale Technicolor che da anni erano state sostituite da controtipi. L’eccezionale opera sulle immagini ha portato ad una nitidezza e ad una saturazione dei colori mai viste prima anche grazie all’utilizzo di speciali pellicole a grana fine. Le registrazioni originali di Leopold Stokowski sono state rimasterizzate in Dolby Stereo e il film ha trionfato anche in videocassetta. L’ultima edizione del 60°anniversario in blu ray disc, distribuita nel 2010, dopo che il precedente restauro del 1990 aveva fatto il debutto in dvd nel 2001, è stata una duplice occasione: per la prima volta si sono visti in tutto il mondo gli intermezzi con le presentazioni di Deems Taylor e, finalmente, anche l’ultimo episodio con il Monte Calvo e l’Ave Maria è stato restaurato a partire dagli originali negativi technicolor, con risultati superbi. Il problema della "scomoda" centauretta di colore stavolta è stato risolto digitalmente con la sua totale cancellazione dal fotogramma.

LA VERSIONE ITALIANA

FANTASIA è uscito per la prima volta in Italia nell’ottobre 1946, distribuito dalla RKO. Dalle versioni straniere sono sempre state escluse le scene in cui compare Deems Taylor, quindi anche in Italia abbiamo sempre avuto un semplice commento “fuori campo” , affidato fino alla riedizione del 1966, distribuita dalla Rank Film, a Josè Oliveira , la famosa voce di Josè Carioca (il doppiaggio venne eseguito direttamente in USA). Nell’ottobre 1957 la RKO aveva distribuito anche da noi l’edizione in Superscope di cui si è già parlato. Nel 1973, in occasione del cinquantesimo anniversario della Disney, è arrivata anche in Italia la riedizione uscita in patria nel 1969, che presentava come brano iniziale l’intermezzo della colonna sonora seguito dalla Sinfonia pastorale che si scambiava il posto con la Toccata e fuga. Inoltre, la sequenza della sinfonia pastorale presentava dei piccoli tagli nelle scene che mostravano una centauretta nera che lucidava gli zoccoli delle centaurette bianche. La narrazione in questa edizione venne affidata a Pino Colizzi, mentre Sergio Fiorentini doppiava il maestro Stokowski. I dialoghi furono scritti da Roberto de Leonardis . La riedizione stereofonica del 1977 è stata distribuita da noi nell’ottobre dell’anno successivo, in concomitanza con i festeggiamenti per il 50° compleanno di Topolino e, per l’occasione, i due episodi della Pastorale e della Toccata vennero reinseriti al loro posto. La versione diretta da Irwin Kostal è stata distribuita in Italia solo nel 1986, a cura della UIP, ed in questa occasione il commento, completamente riscritto, è stato affidato a Germano Longo. L’ultima distribuzione nelle nostre sale risale al settembre 1990, con la presentazione della versione restaurata in Dolby Stereo della colonna sonora originale di Leopold Stokowski, che recupera anche i tagli effettuati nell’ episodio della pastorale, adottando il trucco del “gonfiaggio “ del fotogramma in modo da tagliar fuori dall’inquadratura la centauretta nera. In questa edizione il commento audio è sempre quello con la voce di Germano Longo e questa versione è stata distribuita nel 1991 in VHS e nel, 2001, in dvd. Il blu ray del 60°anniversario mi ha visto coinvolto in prima persona per l’adattamento dei dialoghi italiani delle presentazioni integrali di Deems Taylor, e ne ho approfittato per recuperare, grazie a mio materiale d’archivio, il copione originale adattato da de Leonardis nel 1973, che ho integrato con l’adattamento ex novo delle parti inedite. L’edizione è stata curata dalla Royfilm, con la direzione di Leslie la Penna. La voce di Deems Taylor, stavolta, è di Saverio Indrio.









Alessio (WDSleepingBeauty)
Di nuovo complimenti Nù! wink.gif
Uno dei topic più illuminanti e utili, evviva la vera cultura disneyana!!! wub.gif

P.S.: ovviamente trepido in particolar modo per Dumbo e La bella addormentata!
32Luglio
Tanti complimenti, è un piacere leggere ogni singola riga. Io invece sono curiorissimo di leggere qualcosa sui Classici ad episodi! smile.gif
Fra X
Grazie per questi aneddoti e chicche! ^^
Già con "Pinocchio" a livello visivo effettivamente si fa un bel balzo in avanti come nella scena della fuga dalla balena, molto d' impatto ancora oggi con belle sequenze d' azione.
Su Biancaneve in effetti "monti strani" e "bosco di così cosé" non è il top rispetto all' altra edizione mentre "ho freddo al cuore" come ha già detto qualcuno è molto evocativa.

CITAZIONE (chipko @ 1/10/2015, 14:21) *
Per fortuna

Qualche mese fa l' ho visto insieme alla mia cuginetta e anche se le è piaciuto all' inizio mi ha detto: "Ma questo non è Pinocchio vero!" biggrin.gif .
nunval
4) DUMBO

IL FILM


Dopo gli sforzi artistici ed economici profusi in Pinocchio e Fantasia, Disney decise di prendere fiato con la produzione di Dumbo, uscito nell’ottobre 1941, dopo un lavoro di sceneggiatura durato appena sei mesi e un anno per completare le animazioni. Il film durava solo 64 minuti ma era basato su una storia appassionante e presentava simpaticissimi personaggi. Tratto da un racconto di Helen Aberson e Harold Pearl, narra la storia di un cucciolo di elefante che, nato con orecchie grandissime, viene prima messo in ridicolo dal branco e ridotto a fare il clown del circo poi, con l’aiuto del topolino Timoteo e di un gruppo di corvi, impara ad usare le orecchie per volare, diventando famoso in tutto il mondo. Pur essendo molto più semplice nella concezione dei suoi predecessori, Dumbo presenta molti punti di forza: i colori allegri del circo, i personaggi, tutti ottimamente caratterizzati e le belle musiche. Due le scene da ricordare in particolare, autentici pezzi di bravura: l’erezione del tendone del circo sotto un furioso temporale e la mitica sequenza in cui Dumbo e Timoteo si ubriacano ed hanno allucinazioni a base di ……..elefanti rosa. Come al solito la psicologia dei personaggi è sviluppata al millimetro: Dumbo è un cucciolo tenerissimo e il fatto che non parli (infatti i bambini piccoli come lui non parlano) lo rende ancora più indifeso. A Timoteo, il topo suo pigmalione spetta il compito di fargli da interprete nei confronti del pubblico: da antologia la scena in cui terrorizza il gruppo delle elefantesse. Altrettanto convincente è il profondo rapporto tra Dumbo e sua madre, la signora Jumbo, che trova il massimo dell’espressione nell’ esecuzione della canzone Bambino mio, quando l’elefantessa, imprigionata e trattenuta da catene, può solo annodare affettuosamente la proboscide con quella del figlio. I clown , pronti a sfruttare l’elefantino senza curarsi minimamente della sua incolumità sono poco caratterizzati ( volutamente, trattandosi di personaggi sgradevoli: la scena in cui progettano il numero con Dumbo li mostra solo in silouette all’interno del loro tendone, impedendo così al pubblico di familiarizzare eccessivamente). La locomotiva del treno del circo, Casimiro parla con i normali sbuffi di una locomotiva ( lo si nota bene purtroppo solo nella versione originale: le sue battute non sono state doppiate); una deliziosa sequenza la mostra affrontare una ripida salita e i suoi sbuffi dicono chiaramente I think I can (penso di farcela) e, una volta superato l’ostacolo I Though I could (sapevo di farcela). La cicogna che porta il fagottello di Dumbo è irresistibile: smarrisce la strada e, mentre si ferma su una nuvola a controllare la cartina, il suo pesante carico sprofonda lentamente. Una volta consegnato il pacco si fa firmare una ricevuta e canta Happy Birthday. Una menzione speciale va poi al quartetto di corvi che aiutano Dumbo, evidente caricatura di un quartetto vocale all black, abilissimi nel jazz.
Le canzoni del film, opera di Frank Churchill, Ned Washington e Oliver Wallace sono deliziose e caratterizzano i momenti salienti del film: Look out for Mr. Stork (La cicogna) commenta l’arrivo delle cicogne nel circo; Casey Jr. (Casimiro) è il motivetto simbolo del treno del circo; Song of the Roustabouts viene eseguita dal coro degli operai mentre montano il tendone del circo; Baby mine (Bambino mio) è la struggente ninna nanna che la mamma canta per Dumbo mentre si trova nel carro prigione; con The clown song i pagliacci manifestano tutto l’entusiasmo per il povero elefantino declassato a clown; Pink elephants on parade ( Gli elefanti rosa) è lo straordinario numero musicale in cui Dumbo e Timoteo si ubriacano e vedono elefanti rosa: una sequenza esemplare per ritmo, genialità, originalità; infine il gruppetto di corvi prende in giro l’elefantino con When I see an elephant fly (Gli elefanti volanti).


LA VERSIONE ITALIANA

Dumbo è uscito in Italia in occasione del Natale 1948, distribuito dalla RKO. A partire da questo film praticamente tutti i doppiaggi italiani Disney saranno realizzati da Roberto de Leonardis che si occuperà personalmente della traduzione dei dialoghi e delle canzoni. La direzione del doppiaggio, realizzato dai soci della CDC, è di Mario Almirante. Tutte le canzoni, ad esclusione di Bambino Mio, eseguita da Miriam Ferretti, sono cantate dal Quartetto Cetra, che aveva da poco assunto la formazione “mista” con Lucia Mannucci che manterrà nel corso degli anni. Lo stesso Disney invierà al Quartetto una lettera di ringraziamento per l’ottimo lavoro svolto, che raggiunge punte di virtuosismo incredibile nei numeri Gli elefanti rosa e Gli elefanti volanti. Per l’importantissimo ruolo del topo Timoteo venne scelto Stefano Sibaldi, voce abituale di Glenn Ford. Lola Braccini caratterizza in maniera eccellente l’elefantessa capo del branco, mentre Mauro Zambuto è una spassosa cicogna. Il direttore del circo è poi doppiato da Mario Gallina, mentre il capogruppo dei corvi parla grazie a Lauro Gazzolo. Altri corvi sono doppiati da Mario Corte e Olinto Cristina. Tra i clown si riconoscono le voci di Mauro Zambuto e Luigi Pavese. Sul sito www.antoniogenna.net è disponibile il cast completo del doppiaggio, anche se qualche voce è di attribuzione incerta, come ad esempio la Braccini, con interessanti note di Marco Volpe. Questo cast d’eccezione ha contribuito non poco al successo del film in Italia. L’unica riedizione cinematografica italiana risale al 1971 ( distribuzione CIC); il film è poi passato nel circuito 16 mm ed è stato distribuito per la prima volta in videocassetta nel 1985. L’edizione in blu ray del marzo 2010 ha presentato questo classico con un nuovo formidabile restauro.

brigo
Complimenti Nun, tra il lavoro tuo e quello del Compendium non possiamo far altro che leggere, rapiti, queste meravigliose schede. Applausi scroscianti!!!

PS: nel lungometraggio "The reluctant dragon" (1941), in cui il giornalista e attore Robert Benchley si trova a curiosare all'interno dei Walt Disney Studios, viene presentata una scena in cui si mostra al pubblico come vengono registrati i suoni e i rumori in un film animato: detta scena mostra nello specifico lo staff di rumoristi al lavoro in uno stralcio animato con protagonista la locomotiva Casimiro (Casey Jr), facendo vedere anche parti animate non presenti nel lungometraggio Dumbo. Si sa se tali scene vennero scartate nel montaggio finale di Dumbo o se furono create appositamente per questo spezzone di "The reluctant dragon"?
Angelo1985
Che belle queste schede! Davvero un preziosissimo contributo smile.gif
Ogni volta che leggo di questi primi film, a pensare a quanto successo avrebbero potuto ottenere se solo non fosse arrivata quella maledetta guerra...
A proposito Nun, un piccolo appunto, quando parli di Pinocchio la cui uscita italiana venne ritirata all'ultimo per l'intervento in guerra degli USA, ecco, in realtà gli USA entrarono in guerra solo dopo Pearl Harbour, nel dicembre del '41; Pinocchio non uscì proprio perchè l'Italia entrò in guerra nel '40 e, pertanto, la distribuzione venne bloccata a pochissimo dall'uscita....un vero peccato perchè il rapporto Walt Disney/Italia proprio alla fine degli anni '30 aveva toccato l'apice e sono sicuro che, nonostante le polemiche della critica post-bellica, Pinocchio avrebbe sbancato il botteghino anche da noi, con tanto di merchandising e pubblicazione proprio come per Biancaneve wink.gif

Un vero peccato, bastava distribuire il film 1-2 mesi prima del previsto....o bastava non entrare in guerra (!) .....ma vabbè, ormai è storia...

icon_mickey.gif
March Hare = Leprotto Bisestile
CITAZIONE (nunval @ 3/10/2015, 15:38) *
Lola Braccini caratterizza in maniera eccellente l’elefantessa capo del branco

Dolente di contraddirti, soprattutto qui dove stai realizzando questo lavoro eccellente e non lo meriteresti, ma non si tratta assolutissimamente della grande Braccini. Orecchie migliori delle mie l'identificano come Velia Cruicchi Galvani, caratterista misconosciuta il cui nome è per la prima volta spuntato fuori nel libro "Il doppiaggio nel cinema italiano" in cui viene accreditata come voce di Tina Pica in Graziella; io questa Galvani non so riconoscerla, ma di sicuro in Dumbo non c'è la Braccini. Sul sito di Genna sono sbagliate anche altre voci, come Renata Marini (che poveretta viene infilata in ogni buco di scheda che ci sia) e Zoe Incrocci (se non ricordo male dovrebbe essere Dina Perbellini, ma non lo rammento con precisione; anche qui comunque di sicuro non è Zoe). Sulla Dandolo che doppia la sig.ra Jumbo pure ho grosse riserve: se è sbagliata la Marini, doppiatrice famosissima, come può essere azzeccata una tipa completamente ignota come questa che pronuncia quattro misere sillabe? Per me è una delle solite assurde invenzioni di wikipedia poi trasportata sul Genna come accaduto in tante altre occasioni.
Capitano Amelia
CITAZIONE (Angelo1985 @ 3/10/2015, 21:46) *
un vero peccato perchè il rapporto Walt Disney/Italia proprio alla fine degli anni '30 aveva toccato l'apice e sono sicuro che, nonostante le polemiche della critica post-bellica, Pinocchio avrebbe sbancato il botteghino anche da noi, con tanto di merchandising e pubblicazione proprio come per Biancaneve wink.gif

E forse l'annosa questione dell'originale vs. versione Disney sarebbe stata meno forte rispetto a quanto accadde all'epoca...
nunval
CITAZIONE (March Hare = Leprotto Bisestile @ 4/10/2015, 9:26) *
Dolente di contraddirti, soprattutto qui dove stai realizzando questo lavoro eccellente e non lo meriteresti, ma non si tratta assolutissimamente della grande Braccini. Orecchie migliori delle mie l'identificano come Velia Cruicchi Galvani, caratterista misconosciuta il cui nome è per la prima volta spuntato fuori nel libro "Il doppiaggio nel cinema italiano" in cui viene accreditata come voce di Tina Pica in Graziella; io questa Galvani non so riconoscerla, ma di sicuro in Dumbo non c'è la Braccini. Sul sito di Genna sono sbagliate anche altre voci, come Renata Marini (che poveretta viene infilata in ogni buco di scheda che ci sia) e Zoe Incrocci (se non ricordo male dovrebbe essere Dina Perbellini, ma non lo rammento con precisione; anche qui comunque di sicuro non è Zoe). Sulla Dandolo che doppia la sig.ra Jumbo pure ho grosse riserve: se è sbagliata la Marini, doppiatrice famosissima, come può essere azzeccata una tipa completamente ignota come questa che pronuncia quattro misere sillabe? Per me è una delle solite assurde invenzioni di wikipedia poi trasportata sul Genna come accaduto in tante altre occasioni.

Personalmente io ho dei dubbi anche su questa Velia Cruicchi Galbani ..., certo molti danno ad Antonio dei dati sbagliati senza verificare e infatti io alcune delle voci citate nella scheda non le ho riportate. Questo mio lavoro è del 1997, tanti anni fa, qualche erroruccio ci sta anche, all'epoca molti degli esperti conoscitori di voci che oggi pullulano in rete erano in fasce...e devono moltissima della loro cultura odierna a Guidorizzi, Lancia e di Cola (io ho iniziato le mie ricerche Disney facendo confronti incrociati coi libri di Guidorizzi). Ho lasciato la Braccini col beneficio del dubbio.
nunval
5) BAMBI

IL FILM


Bambi è la commovente storia di un cerbiatto dalla nascita all’età adulta, oltre a rappresentare un poetico affresco sulla vita degli animali della foresta. Walt Disney voleva trarre un film dal romanzo di Felix Salten fin dal 1935. I diritti erano però in possesso di Sidney Franklin, produttore della MGM. Dopo alcune trattative Franklin e Disney trovarono un accordo e il produttore collaborò anche al progetto. La gestazione del film durò circa 5 anni e quattro animatori si occuparono del soggetto: Frank Thomas, Ollie Johnston, Eric Larson e Milt Kahl. Ne venne fuori un film delizioso, diverso da qualsiasi cosa fosse uscita prima dagli studi, con una attenzione al dettaglio naturalistico ed alla verosimiglianza degli animali inusitata per quei tempi, pur facendo in modo da non perderne mai di vista la caratterizzazione comica o drammatica. Già la scena di apertura, con la Multiplane camera che ci trasporta all’interno della foresta è sbalorditiva. Tutto il film è impostato come una vera e propria opera sinfonica la cui protagonista è la natura. Musica e disegni si fondono perfettamente come nelle formidabili sequenze del temporale e del passaggio delle stagioni. Queste parti “poetiche” sono ben bilanciate tra gli episodi umoristici ( il pattinaggio sul ghiaccio di Bambi e del coniglio Tamburino) e quelli drammatici ( l’uccisione della cerva, il pauroso incendio della foresta). Da antologia è poi l’episodio in cui Bambi e i suoi amici, Tamburino e la puzzola Fiore si innamorano. Molto belle anche le canzoni eseguite in forma corale, Love is a song, Little april shower, Let’s sing a gay little spring song e I bring you a song, composte da Frank Churchill, che commentano alcune delle sequenze chiave del film: Uscito nel 1942, il film non fu un grande successo commerciale a causa della guerra, ma ottenne grande consenso con le successive riedizioni. Nel 1990 è stato restaurato e dotato di suono Dolby stereo e in questa versione è stato distribuito anche da noi in videocassetta. Successivamente le edizioni in dvd e in Blu ray in alta definizione hanno presentato uno spettacolare restauro grazie all'ormai consolidata pratica della scansione ad alta risoluzione dei negativi Technicolor.

LA VERSIONE ITALIANA

Uscito in Italia nella primavera del 1948, il film, la cui versione italiana si deve ancora ad Alberto Liberati che, ricordiamolo, era capo ufficio edizioni della RKO, doppiato dagli attori della CDC divenne subito popolare; i nostri doppiatori seppero dare un contributo fondamentale alla caratterizzazione dei personaggi, in particolare Lydia Simoneschi nel ruolo chiave della mamma di Bambi: si trattava di rendere vocalmente un personaggio che era stato concepito in modo da sottolineare la percezione che Bambi aveva di lei e la voce dolcissima della Simoneschi, unita alla delicatezza delle animazioni, ne fanno una perfetta incarnazione dell’ istinto materno. Non meno efficaci sono Olindo Cristina nel ruolo del simpaticissimo Vecchio Gufo e Mario Besesti nella solenne parte del grande Cervo padre di Bambi. Un difetto gravissimo di questa edizione, fatto notare anche da Marco Volpe nella scheda del film pubblicata sul Genna, è aver "addolcito" la scena della morte della mamma di Bambi inserendovi della musica e alcune battute spurie del Grande Cervo in fuori campo. Aggiungiamo a questo la decisione di lasciare le canzoni in inglese e si comprende benissimo la decisione da parte della Disney , 20 anni dopo, di affidare a Roberto de Leonardis la riedizione del film preparando , con la collaborazione di Pietro Carapellucci, una nuova edizione italiana , sempre avvalendosi dei doppiatori della CDC. Tra questi spiccano Fiorella Betti, dolcissima nella parte della madre di Bambi, un superbo Giuseppe Rinaldi nella parte del Grande Cervo, un irresistibile Lauro Gazzolo/Vecchio Gufo ( da antologia quando spiega a Bambi ed ai suoi amici cosa significa essere innamorati) e la chicca di Roberto Chevalier ( oggi Tom Cruise) nella parte di Bambi adulto. Tra i caratteristi si riconoscono Gianfranco Bellini nella parte di uno scoiattolo e la deliziosa Flaminia Jandolo nel ruolo della mamma di Tamburino. Bambi cucciolo è doppiato, pensate, da Loretta Goggi. L’adattamento dei dialoghi presenta poche variazioni rispetto alla traduzione originale ed i testi italiani delle canzoni, (che già nello spartito pubblicato in Italia dalla Sonorfilm nel 1948 coi testi di Larici erano state intitolate L’amore è una canzone, Pioggerella d’aprile, Canzoncina di primavera e Io canto per te) , sono perfetti . Tra i cantanti spicca la bella voce solista di Maria Cristina Brancucci. Il film è circolato in Italia con questo doppiaggio fino al 1983. Per l’uscita in videocassetta si è discutibilmente ritornati al doppiaggio originale, incluse le canzoni in inglese che, pur essendo pregevole ha una scadente qualità di registrazione certamente non adatta al nuovo missaggio stereofonico.
Una successiva replica televisiva ha riutilizzato il nuovo doppiaggio, utilizzato poi, per fortuna, anche nelle successive edizioni in dvd e blu ray disc.



Fra X
CITAZIONE (nunval @ 3/10/2015, 15:38) *
L’unica riedizione cinematografica italiana risale al 1971 ( distribuzione CIC)

Chissà come mai da noi c'è stata una sola riedizione. unsure.gif Difatti poi è stato uno dei primi ad essere uscito in VHS e in TV come Alice.

CITAZIONE (nunval @ 4/10/2015, 11:48) *
con una attenzione al dettaglio naturalistico ed alla verosimiglianza degli animali inusitata per quei tempi, pur facendo in modo da non perderne mai di vista la caratterizzazione comica o drammatica. Già la scena di apertura, con la Multiplane camera che ci trasporta all’interno della foresta è sbalorditiva.

Quando lo vedo stento a credere che visivamente sia degli anni 40! post-6-1111076745.gif

CITAZIONE (nunval @ 4/10/2015, 11:48) *
Bambi cucciolo è doppiato, pensate, da Loretta Goggi.

Ah, però! laugh.gif
nunval
CITAZIONE (Fra X @ 4/10/2015, 13:18) *
Chissà come mai da noi c'è stata una sola riedizione. unsure.gif Difatti poi è stato uno dei primi ad essere uscito in VHS e in TV come Alice.

Perchè purtroppo, come anche è il caso di Alice, le riedizioni seguivano più o meno, con scarti di uno/ due anni, quelle americane. Dumbo e Alice finirono quasi subito, dopo l'uscita cinematografica, ad essere proiettati in televisione nel programma televisivo di Walt "Disneyland" e, quindi, sparirono dagli schermi americani per molto tempo, prima di ricomparirvi alla fine degli anni '60, cosa che portò, anche da noi, ad una loro riedizione, nel 1970 e nel 1971.

CITAZIONE (brigo @ 3/10/2015, 16:59) *
detta scena mostra nello specifico lo staff di rumoristi al lavoro in uno stralcio animato con protagonista la locomotiva Casimiro (Casey Jr), facendo vedere anche parti animate non presenti nel lungometraggio Dumbo. Si sa se tali scene vennero scartate nel montaggio finale di Dumbo o se furono create appositamente per questo spezzone di "The reluctant dragon"?

Grazie per l'apprezzamento di questo mio lavoro a tutti. Approfitto per rispondere: mi sono documentato sul volume "Encyclopedia of Disney Animated Characters" Sembra proprio che la sequenza di Casimiro in "Reluctant Dragon" sia stata creata apposta per questo film.
nunval
6) SALUDOS AMIGOS

IL FILM

In pieno conflitto bellico, con i mercati europei chiusi, Hollywood intraprese una politica di buon vicinato con i paesi dell’America Latina . Walt Disney, col patrocinio del Dipartimento di Stato, progettò un viaggio in diversi paesi del sudamerica in compagnia di alcuni suoi animatori, per produrre alcuni cartoni ispirati agli usi e costumi locali. Vennero realizzati quattro cortometraggi ma, dietro richiesta governativa, Disney li unì in un unico programma, usando come brani di raccordo filmati girati in 16 mm durante il viaggio. Il bel mediometraggio che ne derivò, lungo solo 43 minuti, Saludos Amigos, divenne immensamente popolare. Il filo conduttore della pellicola è il viaggio di Disney e dei suoi collaboratori; il primo episodio, Il lago Titicaca, ci presenta la visita di Paperino nel paese degli Incas, sulle rive del famoso lago, il più alto del mondo, alle prese con un simpaticissimo lama dalle idee tutte personali su come scalare le montagne e oltrepassare ponti sospesi su precipizi, il tutto a spese del povero papero. Pedro pilota postale è invece la storia di un simpatico aereoplanino alle prese con le difficoltà del suo primo volo sulla rotta tra Santiago e Mendoza per prendere in consegna la posta. Le riprese del volo di Pedro sono ottimamente realizzate e la scena in cui l’aereo viene sorpreso dalla tempesta mentre sorvola il minaccioso monte Aconcagua è un autentico pezzo di bravura.
L’episodio successivo, El gaucho Goofy, ci narra le abitudini e i costumi dei gauchos argentini utilizzando Pippo, cow boy nord americano come “cavia”. Il narratore spiega tutto molto seriamente e Pippo cerca goffamente di adeguarsi. Il culmine della comicità è raggiunto nella celebre sequenza della cattura dello struzzo. A prima vista sembra che tutto sia andato bene, ma la visione al rallentatore ( con la voce del narratore che pure rallenta) ci mostra impietosamente che Pippo , il cavallo e lo struzzo si sono aggrovigliati a vicenda.
L’ultimo episodio, dedicato al carnevale di Rio, è quello più celebre, che ha reso il film un classico. Aquarela do Brasil inizia davanti ad una tela bianca, su cui un pittore comincia a dipingere ad acquerello il paesaggio di Rio, mentre ascoltiamo la celeberrima Brazil di Ary Barroso, cantata da Aloysio Oliveira. Gli effetti speciali sono strabilianti: una pennellata di azzurro diventa una cascata, un casco di banane con una spruzzata di nero diventa un gruppo di tucani dal becco giallo, il rosso del gambo di alcuni fiori cola fino a formare le figure di due fenicotteri. Dal ghiotto incontro tra un’ape ed una pianta carnivora si materializza Paperino, mentre il pennello dipinge la figura del pappagallo José Carioca. José conduce Paperino in giro per Rio, mentre il pennello continua a dipingere il paesaggio e la strada mentre i due camminano. In un tripudio di musica José suona la celebre Tico tico, utilizzando il suo ombrellino come clarinetto e il cappello di Paperino come fisarmonica. Nel finale vediamo il papero scatenarsi nei locali notturni mentre l’inquadratura dissolve sulla tela vista all’inizio, dove ora campeggia uno splendido panorama notturno della città di Rio. La musica si fonde perfettamente con le immagini in questo favoloso brano di cinema, ancora elettrizzante dopo più di 70 anni.

LA VERSIONE ITALIANA

Il film è stato distribuito in Italia nella primavera del 1946 dalla RKO. L’edizione italiana, realizzata direttamente in USA, presenta le stesse voci della versione originale, cioè Clarence Nash (Paperino) e Pinto Colvig (Pippo). Lo spiritoso ruolo del narratore è affidato a Josè Oliveira , voce di Josè Carioca, particolarmente irresistibile nell’episodio di Pippo.
Rieditato al cinema nel 1960, il film è stato distribuito per anni nel circuito 16 mm, fino ad approdare in videocassetta nel 1982. La versione in dvd, uscita nel 2004, presenta una piccola censura nell'episodio con Pippo, nel quale è stata cancellata digitalmente la sigaretta che egli fuma.

March Hare = Leprotto Bisestile
CITAZIONE (nunval @ 5/10/2015, 0:06) *
La versione in dvd, uscita nel 2004, presenta una piccola censura nell'episodio con Pippo, nel quale è stata cancellata digitalmente la sigaretta che egli fuma.

Per mera completezza aggiungo che manca anche una battuta del narratore in quel punto: la sigaretta è stata rimossa dalla bocca di Pippo, ma poi lui la prendeva in mano, aspirava, soffiava via il fumo e in quel mentre la mano dell'artista lo sollevava velocissimamente facendogli perdere la sigaretta; tutta questa parte viene eliminata insieme alla battuta americana (e in tutte le altre lingue) che recita pressappoco "trasportiamo il nostro eroe altrove".
Capitano Amelia
Comunque il dialogo posticcio di "Bambi" è dimostrazione di quanto lo staff originale "seguisse" l'adattamento straniero... rolleyes.gif
Fra X
CITAZIONE (nunval @ 4/10/2015, 23:51) *
Perchè purtroppo, come anche è il caso di Alice, le riedizioni seguivano più o meno, con scarti di uno/ due anni, quelle americane. Dumbo e Alice finirono quasi subito, dopo l'uscita cinematografica, ad essere proiettati in televisione nel programma televisivo di Walt "Disneyland" e, quindi, sparirono dagli schermi americani per molto tempo, prima di ricomparirvi alla fine degli anni '60, cosa che portò, anche da noi, ad una loro riedizione, nel 1970 e nel 1971.

Ah, O.K.! Grazie dell'info! ^^
nunval
7) I TRE CABALLEROS

IL FILM


Con The three Caballeros, distribuito nel 1945, Disney proseguì il discorso cominciato con Saludos Amigos . Da un semplice progetto di film ad episodi venne fuori un autentico capolavoro, con sequenze magistrali, musiche indimenticabili ed effetti speciali sbalorditivi nelle sequenze in cui cartoni animati ed attori interagiscono.
Gli episodi del film, Aves raras, Bahia e La Pinata, si inseriscono in un canovaccio che prende spunto da un pacco dono recapitato a Paperino nel giorno del suo compleanno dagli amici del Sudamerica. Il primo episodio è un documentario sugli uccelli rari dei paesi del sud, tra cui spicca il dispettoso Aracuan ( Paperino proietta il documentario col primo regalo trovato nel pacco, un proiettore completo di film) e comprende anche le storie di Pablo, il pinguino freddoloso fanatico dei mari del sud e di un piccolo Gauchito che si imbatte in Burrito, un asinello dotato di ali con cui vince una importante corsa. Il secondo regalo, un libro animato sul Brasile ci introduce nell’episodio brasiliano: José Carioca, uscito dal libro, trascina Paperino al suo interno per un pittoresco viaggio a Bahia, dove Paperino fa la conoscenza di Yaya, una bella venditrice di dolci (Aurora Miranda) e la corteggia al ritmo della canzone di Ary Barroso Os quindins de Yaya. Gli effetti speciali e l’interazione tra attori e cartoni, ottenuta sia con la retroproiezione, tecnica mediante la quale viene girato prima il cartone e poi proiettato su uno schermo trasparente davanti a cui recitano gli attori, sia con la stampa ottica dell’animazione sulla pellicola “dal vivo” direttamente in laboratorio, sono come detto sbalorditivi. Il culmine della perfezione è raggiunto quando i due ballerini che gareggiano per conquistare la bella Yaya, visti in silohuette, si trasformano con un gioco di ombre in due galli da combattimento. Le accese tinte del Technicolor curato da Natalie Kalmus sono strepitose e tutto l’episodio è una chicca.
Il terzo regalo, proveniente dal Messico, catapulta Paperino e José Carioca in una scena surreale in cui vengono visualizzati, come nel brano della colonna sonora di Fantasia, i vari strumenti che suonano il brano I Tre Caballeros, scritto da Manuel Esperon su testo di E.M. Cortazar. Paperino viene risucchiato nel vortice di colori, e quando la sua immagine esplode, appare il terzo caballero, il gallo charro Panchito, che trascina gli altri due in una movimentata esecuzione della canzone . Mentre cantano, sulla scena succede praticamente di tutto e alla fine, Paperino dovrà rompere una pinata, da cui, tra le altre cose, viene fuori un libro sul Messico. I tre caballeros intraprenderanno così un magnifico viaggio a bordo di un tappeto volante all’interno del libro e Paperino giocherà a mosca cieca con le pin -up della spiaggia di Acapulco e ascolterà Dora Luz che gli dedica la famosissima You Belong to My Heart.
La musica è ovviamente l’anima di questo film: ascoltiamo canzoni quali Bahia di Ary Barroso, la travolgente Os quindins de Yaya, la spassosa Have you ever been to Bahia che José canta a Paperino. Mexico di Charles Wolcott, Ray Gilbert ed Edmundo Santos è interpretata da Carlos Ramirez, mentre Dora Luz canta, come già accennato You belong to my heart, di Augustin Lara. Molto belle anche le melodie caratteristiche del Messico come la Zandunga e la Jesusita ( Polka del Cactus), danzate dalla bravissima Carmen Molina, mentre il Lilongo di Charro Gil è il motivo che servirà da base, anni dopo, per il famoso brano La Bamba.
Assolutamente eccezionali gli acquerelli che riempiono lo schermo durante le canzoni Bahia e Mexico e nella scena in cui Panchito narra la tradizione natalizia delle Posadas, le cerimonie religiose messicane della notte di Natale.

LA VERSIONE ITALIANA

Il film è uscito in Italia nel settembre 1949, distribuito dalla RKO. La traduzione italiana è curata da Alberto Liberati ed il doppiaggio è diretto da Mario Almirante, con la partecipazione, in veste di narratori, di alcune delle più belle voci della CDC. Emilio Cigoli è lo speaker del documentario Aves Raras, mentre la storia del pinguino Pablo viene narrata da Stefano Sibaldi. L’episodio di Gauchito e l’asinello volante è affidato ad Olindo Cristina, mentre Giulio Panicali ci spiega la tradizione messicana delle Posadas. Paperino, José Carioca e Panchito sono doppiati in italiano dalle loro voci originali, cioè rispettivamente Clarence Nash, José Oliveira e Joaquin Garay, con ottimi risultati. La versione italiana presenta poi le canzoni Bahia e Mexico cantate in portoghese e spagnolo, al posto dell’inglese della versione originale ( i versi inglesi sono di Ray Gilbert). Una curiosità: nella nostra versione i titoli di testa sono accompagnati dalla parte orchestrale di Os quindins de Yaya, mentre la versione originale e quella spagnola presentano una versione corale de I tre caballeros, eseguita rispettivamente in inglese (versi di Ray Gilbert) e spagnolo. La stessa cosa succede per la versione cantata dai protagonisti nel film: nella versione originale Panchito, Paperino e Josè cantano in inglese, nella nostra versione viene utilizzato lo spagnolo (come per i paesi latini). Contemporaneamente all’uscita del film in America, nel 1946, la Southern Music pubblicò tutte le canzoni del film anche in Italia, con i testi sia in inglese che italiano o spagnolo (portoghese per Bahia). I testi nostrani sono del paroliere Larici. Le canzoni furono poi pubblicate in raccolta nel 1949, sempre dalla Southern. Particolarmente famosa la nostra versione di You belong to my Heart , alias Solamente una vez : Voglio amarti così. Spassosa poi la traduzione di Os quindins de Yaya che, con un tocco napoletano, diventa “Il Guappo di Yaya”, riferito, ovviamente, ad uno dei numerosi spasimanti della ragazza. Purtroppo, nessuno dei testi italiani viene cantato nel film dove, come già detto, si preferisce ricorrere a portoghese o spagnolo. Un'altra curiosità riguarda la parte messicana: nelle versioni originale e spagnola, la tradizione della Posada viene spiegata da Panchito (e, nella spagnola, ascoltiamo una autentica esecuzione del brano); nella versione italiana subentra Panicali perchè la narrazione dovette risultare troppo difficile da leggere per il povero Garay.





Fra X
Come ha scritto Vito mi pare effettivamente è il film di Paperino. biggrin.gif
Quando ho sentito quest' ultimo mi sono chiesto chi lo doppiasse e sono rimasto sorpreso nel leggere poi che si tratta di Clarence Nash ohmy.gif biggrin.gif .

CITAZIONE (nunval @ 6/10/2015, 13:37) *
Una curiosità: nella nostra versione i titoli di testa sono accompagnati dalla parte orchestrale di Os quindins de Yaya, mentre la versione originale e quella spagnola presentano una versione corale de I tre caballeros, eseguita rispettivamente in inglese (versi di Ray Gilbert) e spagnolo.

CITAZIONE (nunval @ 6/10/2015, 13:37) *
Un'altra curiosità riguarda la parte messicana: nelle versioni originale e spagnola, la tradizione della Posada viene spiegata da Panchito (e, nella spagnola, ascoltiamo una autentica esecuzione del brano); nella versione italiana subentra Panicali perchè la narrazione dovette risultare troppo difficile da leggere per il povero Garay.

Ah, però! ohmy.gif
nunval
MUSICA, MAESTRO!

Con Musica Maestro! ( Make mine music), distribuito in USA nell’agosto 1946, Walt Disney tentò di riproporre la ricetta di Fantasia, applicata stavolta alla musica leggera e popolare, con l’eccezione di due importanti episodi. Il film è diviso in dieci parti ma la versione italiana, distribuita dalla RKO nel 1950, e curata da Alberto Liberati con la direzione musicale di Alberto Paoletti, eliminò l’episodio Casey at the bat, recitato da Jerry Colonna. In compenso gli episodi rimanenti furono affidati a prestigiosi artisti dell’epoca. Il doppiaggio venne eseguito dalla CDC presso la Fono Roma, con la direzione di Mario Almirante .Il film rimane dunque un originale documento della bravura di alcuni dei nostri migliori interpreti degli anni 40, che arricchirono i brani originali col loro tocco personale. Il primo brano è la ballata rusticana I Testoni e i Cuticagna (The Martins and the Coys), storia tragicomica di una faida tra due famiglie di contadini. Tutti i componenti vanno all’altro mondo e dal cielo osservano con terrore gli ultimi due superstiti Beppe Cuticagna e Carolina Testoni che si innamorano e pongono fine alla lotta col matrimonio. La vita coniugale si rivelerà però molto movimentata, tra la gioia degli antenati. La canzoncina motivo conduttore è interpretata con verve e senso dell’umorismo dal Quartetto Cetra, reduce dai trionfi del doppiaggio di Dumbo.
Il Poema nostalgico Palude Blu (Blue Bayou), era un episodio progettato in origine proprio per Fantasia: le belle sequenze della palude illuminata dalla luna sulle cui acque si libra una coppia di maestosi aironi dovevano commentare il Chiaro di luna di Debussy; ovviamente la canzone di Bobby Worth e Ray Gilbert, anche se l’interpretazione, affidata alla voce di Alberto Rabagliati (che sostituisce il coro di Ken Darby dell'originale) è suggestiva, non può reggere il confronto.
Si cambia totalmente registro con l’intermezzo jazz All the cats join in (quando i gatti si riuniscono), una parodia eseguita da Benny Goodman e la sua orchestra. Le animazioni illustrano, con uno stile innovativo e veloce il pomeriggio di vacanza trascorso da alcuni teen agers che si riuniscono al malt shop, l’antenato degli odierni pub.I personaggi sono disegnati da una matita davanti ai nostri occhi all’interno di un blocco per schizzi. La gag più memorabile è quella dei ragazzi che sfrecciano via ancor prima che la matita abbia finito di disegnare l’automobile che serve loro da mezzo di trasporto ed è costretta a fermarli disegnando un semaforo rosso.
La Canzone romantica Senza te è la versione italiana, con testo di Larici, della famosissima Tres Palabras, composta da Osvaldo Farres ( la versione inglese Without you, affidata alla voce di Andy Russell è opera del paroliere Ray Gilbert). L’interprete italiano è il famosissimo Natalino Otto, che si produce in una delle sue cose migliori, mentre le animazioni cercano di tradurre in immagini, formate dalle gocce di pioggia che scorrono sul vetro di una finestra, le atmosfere suggerite dalle parole della canzone. L’espediente funzionò in Fantasia con la musica di Bach, ma applicato in un contesto diverso è meno efficace.
L’episodio Casey at the bat, storia di un fallimentare giocatore di baseball, venne tagliato dall’edizione italiana. Si tratta di un cartoon di argomento sportivo decisamente poco interessante per il pubblico italiano, affidato alla narrazione di Jerry Colonna. Diversi anni dopo fu doppiato, limitatamente alla narrazione, per un episodio del telefilm Disneyland intitotato Quattro storie bizzarre.
Il Balletto sulle sette note Due siluette, basato su un motivo composto da Charles Wolcott e Ray Gilbert e interpretato da Dinah Shore, presenta la danza dei ballerini Tatiana Riabouchinska e David Lichine, le cui figure sono ricalcate in forma di siluette da una ripresa dal vivo e inserite in un paesaggio animato tra amorini che volano e fondali azzurri incorniciati di merletti rosa. La combinazione originale di riprese dal vero e animazione è compromessa dall’imbarazzante pacchianeria delle scenografie. Per fortuna l’episodio successivo è lo splendido e famosissimo adattamento della favola in musica di Prokofiev Pierino e il lupo. Pare che lo stesso compositore confessasse a Walt Disney di aver composto l’opera con la speranza che egli ne traesse un film. Il brano è caratterizzato dalla spassosa narrazione di Stefano Sibaldi, che ricalca con divertimento il narratore originale Sterling Holloway e presenta un ottima caratterizzazione di tutti i personaggi: Pierino, un misto tra Pinocchio e Cucciolo, l’uccellino Sascia , il simpaticissimo gatto Ivan, protagonista di uno spassosissimo incontro ravvicinato col lupo, la papera Sonia e i tre cacciatori Mischa, Yascha e Vladimiro. Una particolare nota di merito va allo straordinario lupo, forse l’animale più terrificante di tutti i film Disney, una vera e propria bestia bavosa e assetata di sangue.
Il Quartetto Cetra torna per narrare in musica la storia d’amore dei due cappelli Gianni di feltro e Alice di paglia, che conosciutisi nella vetrina di un negozio, verranno separati alla...vendita e, dopo molte traversie si ritroveranno come copricapo di una coppia di ronzini. L’animazione dei cappelli protagonisti, dotati di una propria personalità, si rivelò deliziosa e il motivo conduttore, composto da Allie Wrubel e Ray Gilbert (interpretato in originale dalle Andrews Sisters) divenne molto popolare ed entrò stabilmente nel repertorio del quartetto.
Il brano successivo è una deliziosa interpretazione del celebre pezzo After you have gone , con la partecipazione di Benny Goodman e del suo quartetto . I quattro strumenti (clarinetto , piano, basso, contrabbasso) diventano veri e propri personaggi e ingaggiano una specie di lotta a tempo di jazz. Particolarmente notevole la scena del clarinetto che, suonando un pezzo molto “caldo” prende letteralmente fuoco per poi essere raffreddato da un mare di musica in cui nuotano note, chiavi di violino e tasti di pianoforte.
L’ultimo episodio, il finale lirico-patetico La balena che voleva cantare all’Opera è un delizioso racconto agrodolce, affidato nella versione originale alla narrazione e al canto del famoso tenore Nelson Eddy, che da la voce a tutti i personaggi del film, cantando in tutte le tonalità (tenore, baritono e basso). Willie (Gianni nell’edizione italiana) è una balena prodigiosa, dotata di un ugola capace di cantare in tutti i registri. L’impresario Tetti Tatti crede erroneamente che Gianni abbia ingoiato tre cantanti lirici e parte alla sua caccia. L’arrivo dell’impresario viene scambiato per una audizione e il povero Gianni ci dà dentro con la voce. Intanto sogna di calcare i più grandi palcoscenici del mondo ( la scena in cui canta I Pagliacci, inondando di lacrime l’orchestra in impermeabile e il pubblico con gli ombrelli o quella in cui sogna di cantare la parte di Mefistofele mentre i pompieri lo osservano terrorizzati vomitare fumo e fiamme sono davvero irresistibili). Tetti Tatti scaglia l’arpione fatale e Gianni, ferito a morte si inabissa tra le onde. Il finale ce lo mostra in Paradiso mentre canta per gli angeli, mentre sui cancelli del cielo troneggia il cartello “tutto esaurito”. La narrazione di Nelson Eddy è affidata in italiano ad un giovanissimo Alberto Sordi, mentre il prologo introduttivo è cantato da Saturno Meletti. Tutte le arie d’opera sono invece rimaste in versione originale. Curioso notare come il film presenti in massima parte storie che trattano l’argomento morte oppure cocenti sconfitte: si pensi ai Testoni e ai Cuticagna che si eliminano a vicenda o a Casey che perde la partita decisiva. Nell’episodio di Pierino e il lupo la papera Sonia viene creduta morta e la vediamo varcare il cancello del paradiso con tanto di aureola e alucce, mentre la morte della balena Gianni è reale e ben poco ci consola il fatto di vederla cantare in cielo. Comunque nel complesso il film è soddisfacente e vale come documento insostituibile della sua epoca. Alla sua uscita godette di notevole richiamo in tutti i paesi e gli interpreti vocali italiani trovarono adeguata segnalazione nei titoli e su tutto il materiale pubblicitario. Il doppiaggio fu di ottima qualità ovunque. basti pensare che, in Francia, la storia di Gianni e Alice fu doppiata da Edith Piaf. Una curiosità: al solito le canzoni vennero pubblicate su spartito anche in Italia, ma da case musicali differenti: Gianni e Alice, ad esempio, fu pubblicata dalla Sonorfilm mentre Senza Te dalla Southern Music. La canzone dei titoli di testa (Make mine music), che nel film non è doppiata (nei titoli ascoltiamo il solo commento di sottofondo col coro) fu tradotta con il titolo Canta la mia canzone e pubblicata sempre dalla Southern. I testi italiani delle canzoni, sugli spartiti, sono di Larici e sono stati utilizzati, a quanto risulta, anche per il doppiaggio del film.





32Luglio
Bellissimo e dettagliato l'articolo su Musica Maestro...e meravigliose le locandine. Attendo con fervore Lo scrigno delle 7 perle!
nunval
I RACCONTI DELLO ZIO TOM

I RACCONTI DELLO ZIO TOM, (Song of the south, 1946) uscito per la prima volta in Italia nel 1950 distribuito dalla RKO è il più importante del film a episodi prodotti da Disney nel primo dopoguerra, innanzitutto perché è basato in gran parte su una storia interpretata da attori e rivelò che Disney era perfettamente in grado di poter gestire una produzione “dal vero” e in secondo luogo perché presenta le storie animate di Fratel Coniglietto, Compare Orso e Comare Volpe, degne di poter essere annoverate tra le cose migliori mai uscite dallo studio.Tratto dalle Storie dello zio Remo di Joel Chandler Harris, care a Disney fin dall’infanzia, Il film si avvale della splendida fotografia in Technicolor di Gregg Toland e di alcuni sbalorditivi effetti speciali nelle scene in cui zio Remo ( Tom nell’edizione italiana, interpretato da uno straordinario James Baskett, premio Oscar speciale per questo ruolo) interagisce con i cartoni animati. Il resto del cast è all’altezza e spiccano Lucile Watson nella parte della nonna e la favolosa Hattie McDaniel , la mammy di Via col vento, nel delizioso ruolo di zia Tempy. I due bambini protagonisti sono Bobby Driscoll (Johnny) e Luana Patten (Ginny). La colonna sonora è davvero deliziosa : una delle canzoni, Zip a dee doo dah, composta da Allie Wrubel e Ray Gilbert, vinse l’Oscar come miglior canzone dell’anno; ascoltiamo inoltre Song of the South, That's what Uncle Remus said, Ora si può vivere così (Who wants to live like that), Let the rain pour down, Come ti va (How do you do?), Tra qualche istante (Sooner or later) e l'accattivante Un posticino gaio (Everybody's got a laughing place). Il film, presentato in prima ad Atlanta nello stesso locale dove sette anni prima aveva trionfato Via col vento ebbe accoglienza entusiastica. I tre racconti che lo zio Tom narra al piccolo Johnny sono Running Away, The tar baby (Fratel Coniglietto e il pupazzo di pece) e il favoloso The laughing place ( Fratel Coniglietto e il posto delle meraviglie) in cui il nostro riesce ancora una volta a farsi beffe dell’orso e della volpe infinocchiandoli sull’esistenza di un posto fantastico, il trastulliolà, dove si creperebbe dalle risate ( o meglio lui creperebbe, trattandosi nello specifico di un nido d’api in cui i due gonzi vanno a cacciarsi).
Non si hanno notizie della prima edizione italiana del film; in rete, sul sito di Antonio Genna, sono però state rese note le voci italiane originali : Lydia Simoneschi (Ruth Warrick), Mario Besesti (James Baskett),Tina Lattanzi (Lucile Watson), Maria Saccenti (ancora Hattie McDaniel dopo il trionfo di Mammy in Via col vento), Giulio Panicali (Eric Rolf) e i meravigliosi Stefano Sibaldi (Fratel Coniglietto), Mauro Zambuto (Comare Volpe) e Vinicio Sofia (Compare Orso). Dopo la prima uscita la pellicola è stata a lungo tenuta nel cassetto anche in Italia, fino al 1973, anno in cui è stata rieditata in occasione della Pasqua a cura della CIC (oggi UIP), con il titolo leggermente modificato in Fratel Coniglietto, Compare Orso e Comare Volpe ne “I racconti dello zio Tom "e con un nuovo doppiaggio che presenta la traduzione di Roberto de Leonardis e l’assistenza per il doppiaggio delle canzoni di Pietro Carapellucci. Gli ottimi doppiatori sono quelli classici della CD, ex CDC e cioè Lydia Simoneschi ( Lucile Watson ), Fiorella Betti ( Ruth Warrick, Sally, la mamma di Johnny), Luciano de Ambrosis (Eric Rolf nella parte del padre, John) e Laura Boccanera, quale voce del piccolo Bobby Driscoll. Maria Saccenti doppia ancora una volta Hattie McDaniel, mentre è d'obbligo una nota di merito per il magnifico doppiaggio di Alessandro Sperlì nel ruolo di James Baskett -zio Tom . Tra le voci dei personaggi animati spicca un favoloso Gianfranco Bellini nello spassoso ruolo di Comare Volpe. Vittorio Stagni è uno spassoso Fratel Coniglietto, pieno di allegria , noncuranza e furbizia, mentre la stupidità di Compare Orso è appannaggio di Sergio Fiorentini. Alberto Rabagliati interpreta con dolcezza le canzoni di zio Tom. Trasmesso spesso in televisione in una splendida copia restaurata, dopo anni di gloriosa carriera nel catalogo dei 16mm e in VHS, questo capolavoro non ha goduto, ad oggi, di una distribuzione in dvd o blu ray. La Disney ne ha, non si sa perchè, un sacro terrore, ritenendolo a torto un film "razzista" e ne impedisce, attualmente, la distribuzione.



chipko
Nun, se fosse possibile si potrebbe avere qualche screen shot dei cartelli italiani di Musica Maestro? pray.gif
Sono molto curioso
Mad Hatter
CITAZIONE (chipko @ 29/10/2015, 20:05) *
Nun, se fosse possibile si potrebbe avere qualche screen shot dei cartelli italiani di Musica Maestro? pray.gif
Sono molto curioso

Anche le nostre VHS le hanno in inglese quindi, in definitiva, li puoi vedere solo qui:

https://youtu.be/1a44F3abI88

(e in generale ti consiglio di farci un giretto su quel canale wink.gif )

Saluto.gif
nunval
Farò delle acquisizioni dalla mia vecchissima registrazione Rai che era tutta in italiano.
chipko
CITAZIONE (Mad Hatter @ 29/10/2015, 19:08) *
Anche le nostre VHS le hanno in inglese quindi, in definitiva, li puoi vedere solo qui:

https://youtu.be/1a44F3abI88

(e in generale ti consiglio di farci un giretto su quel canale wink.gif )

Saluto.gif



CITAZIONE (nunval @ 29/10/2015, 19:51) *
Farò delle acquisizioni dalla mia vecchissima registrazione Rai che era tutta in italiano.


Super mega gentilissimi e disponibilissimi tutti e due.
Ho dato un'occhiata al canale. È davvero tutto molto interessante. Per fortuna che c'è qualcuno che pensa a preservare la memoria storica di quel che fu l'adattamento italiano.
veu
I racconti dello Zio Tom è un film eccezionale! grazie Nunval per la scheda! una volta era così famoso come film, peccato che ora sia un po' "decaduto"...
nunval
BONGO E I TRE AVVENTURIERI (Fun and Fancy Free , 1947)

Fun and fancy free, distribuito in patria nel settembre 1947 e giunto in Italia con parecchio ritardo nel 1952, distribuito dalla RKO, è un lungometraggio formato da due storie distinte che non hanno nulla in comune, unite da un debole canovaccio. Bongo, tratto da un racconto di Sinclair Lewis è la visualizzazione di una fiaba incisa su un disco suonato dal Grillo Parlante a casa di Luana Patten per rallegrare un orso e una bambola un pò tristi. La narrazione è affidata, per i dialoghi e le canzoni alla voce della famosa cantante Dinah Shore, che si produce anche in un paio di noiosissime canzoni , Lazy countryside e Too good to be true, che commentano la storia dell’orsetto del circo che scappa dalla sua gabbia e si rifugia nella foresta dove si innamora dell’orsacchiotta Lulubelle. Discretamente divertente è invece il numero musicale Say it with a slap, in cui gli orsi spiegano che tra loro è normale “fare l’amore a schiaffoni”. I personaggi purtroppo sono ridotti a semplici figure bidimensionali e la storia riesce raramente ad interessare.
Finita la fiaba, il grillo segue Luana Patten a casa del ventriloquo Edgar Bergen che , aiutato dai suoi due insopportabili pupazzi Mortimer e Charlie, racconta la storia della Valle Felice, una particolare versione della fiaba di Jack e il fagiolo magico, in cui il ruolo di protagonisti è svolto da Pippo, Paperino e Topolino che, grazie alla famosa pianta di fagioli raggiungono il castello del gigante Willie per riprendergli l’arpa magica da lui rubata nella valle. Nonostante la noiosa narrazione l’episodio è brillante, con alcuni personaggi come l’arpa dalla voce melodiosa e il gigante dallo starnuto micidiale davvero riusciti. La scena della crescita notturna della pianta di fagioli è deliziosa, anche grazie al bel commento musicale di Oliver Wallace e le canzoni , Fe fi fo fum,di Paul Smith e Arthur Quenzer cantata dal gigante e My favorite dream e My, what a happy day di Bill Walsh e Ray Noble, cantate dall’Arpa, contribuiscono al fascino dei personaggi. Pippo e Paperino si esibiscono pure in una spassosa parodia di Funiculì funiculà. Nel finale, la perfezione degli effetti speciali permette al gigante di scoperchiare il tetto della casa di Bergen, ancora alla ricerca dei tre avventurieri.
La versione italiana del film, risalente come detto al 1952, venne curata dai doppiatori della ODI, allora diretta concorrente della CDC, a cui si devono i doppiaggi di alcuni famosi film MGM come Quo Vadis. La narrazione italiana ricalca fedelmente tutta la noia della versione originale inglese (le canzoni di Dinah Shore non sono state doppiate, la voce italiana della Shore è di Gemma Griarotti, mentre Bergen è doppiato da Michele Malaspina) ma le voci dei personaggi animati sono bellissime.. Si riconoscono Riccardo Billi (il Grillo Parlante e Pippo) e Arnoldo Foa'(il gigante) Anche il doppiaggio delle canzoni è perfetto. I due episodi sono anche stati distribuiti separatamente in videocassetta e Topolino nella valle felice è stato ridoppiato nel 1992 a cura della Royfilm per l’occasione. La versione utilizzata era quella televisiva presentata da Pico De Paperis con il suo amichetto l’insetto Herman. Le voci sono quelle classiche dei personaggi Disney dal 1990 in poi e cioè Gaetano Varcasia (Topolino), Luca Eliani, (Paperino), Vittorio Amandola(Pippo) ed Eugenio Marinelli (Pico De Paperis). Questo ridoppiaggio è stato utilizzato anche per la distribuzione del film completo in dvd .

Luca84
Grazie Nunval per questo splendido lavoro e di queste splendide perle storiche che ci stai regalando! Non ho parole. Grazie thumb_yello.gif
nunval
LO SCRIGNO DELLE SETTE PERLE (Melody Time, 1948)

Lo scrigno delle sette perle ( l’originale titolo italiano assimila gli episodi a preziose perle musicali racchiuse in uno scrigno) uscì nel 1948 e riprese la ricetta di Musica maestro, presentando sette cortometraggi musicali affidati all’interpretazione di artisti famosi. La versione italiana, curata dalla ODI con la partecipazione del Quartetto Cetra, risale al 1951(distribuzione RKO).Per molto tempo non era stato possibile ascoltare il doppiaggio italiano originale . Nella versione proiettata in televisione e uscita nel 1985 anche in video, della colonna italiana veniva utilizzato solo l’episodio di Pecos Bill, mentre tutti gli altri numeri musicali erano lasciati in originale.
Nel febbraio 1999, la Disney video, con la collaborazione della Royfilm, ha approntato una nuova versione restaurata del film e ha fortunatamente ritrovato la colonna originale italiana, comprensiva dei titoli di testa , con l’indicazione dei cantanti nostrani. Quattro episodi erano comunque stati lasciati in originale dal curatore dell’edizione, Alfredo Medori, autore anche dei testi delle canzoni con lo pseudonimo di Ardo. I doppiatori appartengono ancora una volta alla cooperativa ODI. Adriana Parrella introduce l’episodio Once upon a wintertime, Michele Malaspina introduce il film e l'episodio di Johnny Semedimela; Roldano Lupi Bumble Boogie e Little Toot; Carlo d'Angelo Blame it on the Samba e Pecos Bill.
Il primo episodio, Once upon a wintertime narra le schermaglie amorose di due fidanzatini che si recano a pattinare, sulle note del motivo conduttore rimasto anche nella versione italiana in originale e cantato da Frances Langford. La particolarità dell’episodio sta nel fatto che per la prima volta le animazioni definitive riproducono perfettamente lo stile dei disegni preparatori e i personaggi concepiti dalla bravissima disegnatrice Mary Blair. Il brano della Langford fu tradotto in italiano per gli spartiti Southern Music col titolo Quando tornerà l'inverno.
Si prosegue con Bumble Boogie, una versione beat del Volo del calabrone , eseguita dall’orchestra di Freddy Martin: lo stile dei disegni e delle scenografie, in cui il povero calabrone viene risucchiato in un mondo inquietante con fiori-strumenti musicali e tastiere di piano-cobra servirà da prova generale per le scenografie astratte di Alice nel paese delle meraviglie.
L’episodio successivo è la celebre storia del pioniere John Chapman , soprannominato Johnny Semedimela, che colonizzò l’ovest dell’America piantando alberi di mele. Le belle canzoni di Kim Gannon e Walter Kent Il cielo mi vuol ben, la canzone del pioniere e la canzone delle mele con i testi italiani di Ardo, sono doppiate da Sergio d'Alba (voce di Johnny) mentre l’Angelo Custode è caratterizzato da Carlo Croccolo, e il ruolo di narratore è affidato a Michele Malaspina. L’episodio si distingue per la delicatezza e il tono elegiaco, in particolare nel finale, quando l’angelo custode viene a prendere Johnny per portarlo in Cielo e lo convince facendogli presente che nell’altro mondo sono a corto di alberi di mele.
L’episodio successivo, la storia del delizioso piccolo rimorchiatore Little Toot si avvale della deliziosa interpretazione del Quartetto Cetra, con Lucia Mannucci attentissima a ricalcare le minime sfumature delle Andrews Sisters, interpreti della versione originale. L’episodio è caratterizzato da animazioni deliziose, in particolare nel personaggio del protagonista, tratteggiato alla perfezione con tutte le caratteristiche di un bambino di sei anni.
La sequenza successiva , Trees (alberi) è una trasposizione in immagini di un poema di Kilmer, interpretato in musica nella versione originale da Fred Waring. I disegni preparatori di Dick Kelsey hanno raggiunto lo schermo praticamente intatti e alcune riprese, realizzate con particolari movimenti di macchina sono sbalorditive: un panorama si rivela essere riflesso in una goccia d’acqua; un tramonto rosso fuoco è invece una foglia portata via dal vento. L’episodio ha certamente ispirato gli animatori del numero musicale I colori del vento del film Pocahontas (1995).
Il “numero” successivo Blame it on the samba (tutta colpa della samba), ci presenta Paperino e Josè Carioca che, in preda a depressione acuta entrano al Cafè do Samba e vengono catapultati dall’Aracuan, loro vecchia conoscenza, in un gigantesco bicchiere da cocktail, al cui interno appare Ethel Smith che suona il motivo conduttore (il delizioso Cavaquinho composto da Ernesto Nazareth) col suo organo. In un tripudio di effetti speciali mozzafiato i personaggi animati si fondono con le riprese dal vivo fino al favoloso crescendo finale in cui l’Aracuan fa esplodere l’organo con la dinamite e i pezzi dello strumento si ricompongono davanti ad Ethel che continua imperturbabile a suonare. La parte vocale del brano è interpretata dalle Dining Sisters.
Il brano finale del film è il celeberrimo Pecos Bill, e racconta la storia del famoso cow boy. Il brano è introdotto da una sequenza mista in cui vediamo Roy Rogers (doppiato da Roldano Lupi ), il suo cavallo Trigger e i membri del complesso vocale Sons of the Pioneers che cantano il bel brano Blue shadows on the trail, attorniati da una prateria a disegni animati. Bobby Driscoll e Luana Patten chiedono lumi su Pecos Bill e Roy comincia a raccontare. Sull’interpretazione originale dei Sons of the Pioneers si inserisce splendidamente il Quartetto Cetra per una delle sue esecuzioni più travolgenti: la canzone Pecos Bill è ormai un classico e i testi italiani di Ardo sono spassosi. Il brano tocca punti di grande emozione nel finale, quando la promessa sposa di Bill, la “bellissima Sue”, viene disarcionata dal cavallo geloso Sputafuoco e catapultata sulla luna. Nel complesso il film presenta molti brani soddisfacenti ed interessanti dal punto di vista tecnico. Lo stile delle scenografie e dei personaggi è inoltre servito da banco di prova per i grandi lungometraggi degli anni 50. Per quanto riguarda le canzoni è curioso notare che la gran parte di esse furono pubblicate in uno spartito collettivo dalle Edizioni Accordo, mentre il Cavaquinho di Ernesto Nazareth fu pubblicato dalle Edizioni Curci ed attribuito ad un misterioso film Disney "Carnival".



32Luglio
Oh, che locandina meravigliosa! Lo Scrigno delle 7 Perle e i Segreti di Walt Disney era il titolo originale italiano, oppure al film era abbinato qualcosa?

P.S. L'articolo è sublime, rinnovo i più sinceri complimenti! clapclap.gif
March Hare = Leprotto Bisestile
CITAZIONE (32Luglio @ 13/11/2015, 7:56) *
Oh, che locandina meravigliosa! Lo Scrigno delle 7 Perle e i Segreti di Walt Disney era il titolo originale italiano, oppure al film era abbinato qualcosa?

I segreti di Walt Disney è quel che rimaneva all'epoca di The Reluctant Dragon scorciato di ben 40 minuti e quindi distribuito a mo' di cortometraggio insieme a Lo scrigno nel '51.
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